Fernando Botero est décédé, rehausseur des couleurs grasses de la vie et antagoniste de l'anorexie artistique contemporaine

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Jorge Facio Lynx
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FERNANDO BOTERO EST MORT, REHAUSSEUR DES COULEURS GRAISSES DE LA VIE ET ​​ANTAGONISTE DE L'ANOREXIE ARTISTIQUE CONTEMPORAINE

L'inspiration, flair créatif, le génie ne sert à rien, si cette grandeur ne s'accompagne pas toujours de travail acharné et de sacrifice. Parallèlement à ce dévouement au travail, il y avait toujours le choix de sa vie: «Faites ce que nous aimons, n'arrêtez jamais de faire ce que vous aimez et ce qui vous fait du bien".

- Actualité -

Auteur:
Jorge Facio Lynx
Président des Editions L'île de Patmos

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J'ai grandi là-bas'ombre de la première sculpture du maître Fernando Botero, torse de femme, connu de tous comme la grosse fille O la gL'ordre de Berrio en référence à la place Parque de Berrío où se trouvait la statue avant son déménagement dans le parc à thème créé en l'honneur de l'artiste. Cette statue gigantesque et volumineux dans lequel il a été construit 1987 et la mesure de 2 mètres e 48 centimètres de hauteur, un mètre et 76 en largeur, 1 métro e 7 centimètres de profondeur.

La statue avait été installée devant le siège régional de la Banque d'État et devant une place qui était l'un des principaux arrêts de bus et de taxis, en plus d'être un point de rencontre. La forme de la sculpture m'a toujours laissé étonné et perplexe: "Les femmes ne sont pas comme ça, quelle femme colombienne est grosse comme ça?!». Pourtant mon regard restait toujours fixé sur cette œuvre éclairée d’un jeu de lumières par le soleil lorsque celui-ci se levait ou se couchait..

Tous les né au cours des dernières décennies du siècle dernier ont été ravis d'observer cette sculpture alors que la transformation de la ville était en cours avec la construction du premier réseau de métro de Colombie dans la ville de Medellin, qui a marqué le bond en avant de la métropole andine d'une ville agricole semi-industrielle vers le nouveau millénaire qui la projetterait vers le tourisme, y compris le tourisme artistique, merci notamment au maestro Fernando Botero. Dans certaines stations de métro, il y a des œuvres d'art inspirées par lui, dans d'autres, vous pouvez sentir son esprit et son style et dans un particulièrement, celui près de la place où il se trouve Gorda aujourd'hui une belle chose se lève parc artistique avec plusieurs volumineuses statues Boteriennes.

Dans ces années-là, il n'y avait pasC'était un espace d'exposition destiné à ce grand interprète de notre temps, en fait, il n'y avait pas de véritable espace pour l'art. Et pour moi, comme beaucoup de mes autres compatriotes, la première référence au monde des beaux-arts fut le maître Fernando Botero, dont nous avons pu capter la créativité artistique même au passage en attendant un service de transport ou une personne. Aujourd'hui, les nouvelles générations, non seulement ils peuvent contempler les nombreuses œuvres disséminées dans la ville, car grâce à son mécénat - qui a fait de lui le plus grand mécène contemporain de la ville de Medellin et de la Colombie elle-même - il a favorisé la création des différents espaces d'exposition avec ses œuvres et celles de maîtres européens, auparavant exclus s'ils n'étaient pas mentionnés dans les livres d'histoire et les encyclopédies [1].

La figure de Fernando Botero cela a toujours été pour moi en dehors du milieu artistique, modèle et souvenir d'une figure virile avec qui j'ai grandi, mes grands-parents aussi et les hommes de mon pays. Toujours intéressé par le bien de la famille, en union et en harmonie dans les beaux moments comme dans les moments difficiles et douloureux. Une cellule familiale également impliquée dans les intérêts et les activités de propriétaires, comme l'ont dit à plusieurs reprises les enfants du Maître, quand, à la mémoire de leur père, ils expliquèrent que lors de la création de leurs œuvres, il leur avait demandé de l'aider à peindre la toile. Certains détails furent ensuite utilisés par lui comme décorations dans les marges inférieures de ses œuvres., les autres emplois des enfants ont été annulés, mais en eux restaient le souvenir et l'enseignement d'avoir aidé leur père en participant à ses efforts artistiques.

Ce genre d'hommes ils ont essayé de nourrir l'habitude, aujourd'hui malheureusement perdu ou oublié, réunir la famille pour passer du temps dans un endroit précis. Bien sûr, dans le cas du maestro, on ne peut s'empêcher d'admirer son goût élevé pour avoir choisi la belle ville toscane de Pietrasanta, dans la province de Lucques.[2]. comme l'environnement dans lequel, chaque fois qu'il le pouvait, il faisait venir toute sa famille pour vivre des jours pleins d'affection dont on se souviendra toute sa vie. Avant même de développer son style et ses œuvres, l'un des principaux enseignements qu'il n'a jamais cessé de transmettre, surtout envers sa famille et ses quelques amis - Botero était une personne très privée - c'était son travail: "il n'y a qu'un seul 5% inspirant et 95% de transpiration", parce que pour lui, tout type de travail devait être si bien fait et si fatigant qu'il faisait transpirer.

L'inspiration, flair créatif, le génie ils ne servent à rien, si cette grandeur ne s'accompagne pas toujours de travail acharné et de sacrifice. Parallèlement à ce dévouement au travail, il y avait toujours le choix de sa vie: «Faites ce que nous aimons, n'arrêtez jamais de faire ce que vous aimez et ce qui vous fait du bien". Dans l'un des derniers documentaires réalisés en son honneur, l'enseignant, à la fin de la vidéo, il a l'air assis sur une chaise devant une petite et simple maison typique des zones rurales de la ville. S'adressant à l'intervieweur, il se plaint de la tristesse qu'il ressentait en sachant qu'il allait bientôt mourir et qu'il avait encore beaucoup de choses à faire., et cela l'a rendu heureux. Le travail, ce métier qu'il avait choisi de suivre toute sa vie, ça lui faisait plaisir, parce qu'il a choisi de le faire.

Le style caractéristique dl’artiste a appelé «le butterisme", il n'est pas composé de personnages gras mais « volumineux » représentés dans différents scénarios et situations, suivant la tradition européenne qui a pris vie à la Renaissance avec Michel-Ange, Mantegna, Raffaello, Piero de la Francesca[3]. Accompagné dans son art sculptural par l'inspiration du monumentalisme serein de Paolo Uccello. Un style figuratif combiné à une esthétique colorée et adorable qui s'inspire du style dramatique des premières années muralistes Messicani Diego Rivera et José Clemente Orozco, approfondi ensuite lors de son séjour en Europe tout en étudiant aux Académies des Beaux-Arts de San Fernando en Espagne, avec des études sur les œuvres de Goya et Velázquez, et à l'Académie florentine de San Marco avec l'étude des œuvres de Titien, Giotto et Botticelli[4]. Le Maître se projette ainsi dans les années 1980 avec le développement du volume élargi de la forme qui, malgré les dimensions « exagérées », ne perturbe pas la proportion de la figure dans toutes ses caractéristiques., sans renoncer aux influences qui caractérisent sa patrie colombienne, couleur vibrante, vif et brillant, inspiré par sa propre ville natale de Medellin, connu pour ses urbanisations riches en chromatisme exagéré et marqué qui rappelle ce style naïf capable de transmettre les notes insouciantes d'une vie paisible en plein air, jusqu'aux « accents » douloureux des violences vues et vécues.

Il semble que dans les années cinquante le Maître a trouvé sa dimension stylistique lorsque, dans la création de l'étude de nature morte, il a appliqué la "dilatation" à la mandoline. L'artiste a été viscéralement frappé par le résultat de sa forme dilatée au-delà du naturel, générant ainsi l'évocation d'une sensualité profonde comme signe de vitalité, de joie et de prospérité que deviendra cette expression volumineuse dans les années à venir, caractère original à part entière reconnu mondialement. C'est ainsi qu'il décrit ce moment marquant dans une interview à 2007:

«Ce qui s'est passé était très simple. Je dessinais une mandoline au profil très généreux comme je l'ai appris des Italiens. puis, au moment où j'ai fait le trou dans la mandoline, je l'ai fait très petit. Soudainement, cette mandoline est devenue énorme, monumental par le contraste entre le petit détail et le contour généreux. J'ai vu que quelque chose s'était passé là-bas. J'ai immédiatement commencé à essayer de visualiser d'autres sujets. Ça a pris du temps - 10, 15 années – avant de développer une vision plus ou moins cohérente de ce que je voulais faire, mais au début c'était ce petit croquis inspiré par mon amour pour l'art italien" (voir QUI).

Au début des années soixante-dix sa cotation commerciale commence[5] et acclamé par la critique, après avoir élu domicile en Europe[6]. C'est alors que le Maestro commence à créer des sculptures suivant le style volumineux qui semble émerger des toiles pour acquérir la tridimensionnalité connue dans ses œuvres dispersées à travers le monde.[7].

Les années quatre-vingt, jusqu'aux premières années du nouveau siècle, caractériser la recherche artistique du maître avec des représentations et des scènes de violence vécues avec la guerre contre le trafic de drogue à Medellín et le cycle pictural sur les différents rapport sur la torture des prisonniers de la prison d'Abou Ghraib par des membres de l'armée américaine et de la CIA pendant la guerre en Irak.

Indépendamment de la reconnaissance publique et commerciale, une certaine forme de critique artistique n'a jamais été positive ou indulgente à son égard. Depuis ses premières expositions aux États-Unis, plusieurs critiques nord-américains l'ont jugé de manière destructrice - contrairement au public qui l'a profondément apprécié dès ses premières œuvres - définissant l'artiste et son art comme « n'appartenant pas à l'évolution contemporaine ».; figures humaines simplistes et caricaturales insérées dans des contextes ensoleillés de la vie familiale; manque de sérieux dans ses sculptures qui l'a privé d'un examen critique spécifique". Mais pour le définir: «Un simple phénomène commercial d'un auteur autoréférentiel déconnecté de la réalité» (voir QUI).

Même si cela peut sembler être un jugement subjectif ou biaisé, Je pense pouvoir dire que le Maître était l'un des rares, sinon le dernier grand artiste qui de son vivant avait maintenu la qualité et la valeur de ses œuvres à un très haut niveau. À cet égard également, il existe plusieurs témoignages racontés par les membres de la famille eux-mêmes qui se souviennent des moments passés., en période de difficultés et de difficultés économiques, alors qu'il était déjà reconnu pour son savoir-faire mais n'avait pas encore eu de résultats économiques, mais plein de tant d'imagination, parcouru les villes où, s'il trouvait un morceau de bois ou d'acier qui, selon lui, lui serait utile, il le prenait et l'utilisait pour créer des jouets pour ses enfants ou des ustensiles pour la maison. Le manque d'argent regorgeait donc d'imagination et du désir de toujours créer quelque chose de nouveau et d'utile..

Le Maestro était un grand passionné de nombreux sports, surtout le foot, l'un des sports les plus suivis dans sa Colombie natale, surtout à Medellín. Ce grand intérêt pour le football chez les Colombiens, dès les premières années de la vie, trouve une confirmation dans le travail Enfants jouant au football (enfants jouant au football).

L'équitation est représentée indirectement sur une toile qui s'est avérée être l'œuvre qui a marqué l'un des moments les plus tristes de la vie de l'artiste: Pedro à cheval. Tableau décrit par l'auteur lui-même comme le tableau qu'il avait peint avec le plus de douleur dans sa vie et pour cette raison il le considérait comme l'œuvre qu'il aimait le plus et aussi son œuvre maîtresse.. Cette toile est née du deuil qu'il a vécu avec la mort de son fils de quatre ans dans un accident de voiture en Espagne dans les années 70.. Cette toile se trouve au musée de la région d'origine de l'Auteur et est un portrait où le bleu prédomine d'un enfant chevauchant un cheval jouet., dans les coins inférieurs sont représentées les scènes douloureuses du père qui a vu son fils mort, puis la scène des parents en deuil à l'intérieur de la maison vide. (voir QUI).

Le cycle de ses œuvres taurines fabriqué principalement dans les années 1980, elle est considérée comme la « confession de l'artiste », une réflexion sur la mort et sa présence dans un exercice de nostalgie et de lutte sur les scènes dramatiques de la corrida. Personnellement, je me souviens de ma période d'études à l'Université de Salamanque, lorsqu'un professeur tente d'argumenter sur le sens et la valeur universelle de la tauromachie, a expliqué qu'avant le course les taureaux vivaient libres, fort et servi comme des dieux. Seuls ont été choisis les spécimens les plus forts et les plus majestueux qui avaient mérité l'opportunité de démontrer toute leur race et leur panache dans l'Arène., "à armes égales" entre la puissance laide et pure du taureau contre la maîtrise de la danse et la provocation du torero. De l'avis du professeur de culture classique, c'est une version moderne du combat de gladiateurs, ou plus encore l'évocation moderne des luttes de l'homme contre les figures mythologiques et divines de l'Antiquité; où l'habileté de l'homme qui se bat et met même sa vie en danger, sans rien d'écrit ou défini comme dans le jeu géré uniquement par, du destin.

Pour expliquer la corrida fait le sujet de l'art pictural du Maître, les traditions de sa patrie natale demeurent. Dans la même ville de Medellin, il y a une arène très renommée dans la région andine., et l'ouverture de la saison courses cela a marqué une date particulièrement significative dans la vie sociale des citoyens. Si les matchs de football étaient les épicentres des passions et des intérêts populaires de la ville, les journées dans les arènes avec leurs spectacles taurins étaient le point d'appui de la haute bourgeoisie de la ville.

Selon certaines sources proches du maître c'est le goût de la tauromachie qui a généré l'amour de la peinture chez le jeune Fernando Botero. Significatif, dans ce cycle pictural, le travail Le gore, huile sur toile, 1998. Démonstration emblématique de la passion de l'artiste pour les taureaux et de sa réflexion sur la mort caractérisée par l'expression satisfaisante représentée sur le visage du torero après avoir été encorné.. D'autres travaux pertinents sont taureau mourant 1985, Mort de Béliersur Torres, 1986.

Le cycle d'ouvrages sur la violence en Colombie a soulevé de nombreuses questions dans les cercles universitaires et critiques d'art sud-américains concernant la relation entre réalité et art., surtout comment ils se nourrissent, l’art et la violence s’alignent ou se nient. Pour certains, le lien entre l'art et la réalité dans ces œuvres ne conserve un sens possible qu'au niveau social puisque la représentation de l'artiste constitue une « objectivation » de l'expérience pour la rendre accessible à ceux qui la contemplent.. En conséquence, les créations de l'artiste, ils sont une nécessité rationnelle, pas un simple désir, ni un caprice ni un besoin psychologique. Ceux qui regardent ces œuvres sont encouragés à concentrer leur attention sur l'état concret de la réalité sociale ou de l'individu., sans promouvoir ni glorifier un système idéologique ou politique qui finirait par mettre en péril l'autonomie même de l'art, en faire un outil politique ou un moyen de dissuasion et de distraction pour ceux qui observent le travail artistique.

D'autres considèrent cette connexion comme formant un tout unique ce qui permet à l'artiste et à ceux qui observent ses œuvres de saisir une position et un choix concret d'un moment historique précis de la vie et de la réalité. Créer comme ça, pas le sens créatif arbitraire de l’inspiration et/ou de la contemplation; mais comme condition de possibilité à la fois pour la créativité artistique et pour la culture et l'expérience subjective de ceux qui contemplent. La condition de possibilité et/ou de choix devient, comme ça, un compromis de production individuelle qui donne un sens et un but aux œuvres d'art en tant qu'aspirations, motivations pour la communauté et pour la singularité de l'artiste et du visiteur.

D'autres opinions ont catalogué ce cycle pictural comme un acte hédoniste d'un artiste autoréférentiel qui vit dans les « limbes » pseudo-expressionnistes d'un réalisme raté intensifié par l'accentuation de certains aspects particuliers à travers des figures grotesques qui rapprochent la gravité du conflit armé vécu en Colombie d'une banalisation très proche caricaturer. Le Maestro lui-même a dû revenir à plusieurs reprises pour parler de son cycle pictural, dans l'un d'eux, il a dit:

«J'ai toujours exprimé, et je l'ai fait jusqu'à récemment: l'art est de donner du plaisir et non d'ennuyer ou de déranger le public. Qui a vu un triste tableau impressionniste? quand tu as vu un Titien triste? un Velazquez triste? Une grande peinture a une attitude positive envers la vie. Je suis contre l'art qui se transforme en témoin du temps comme arme de combat. Mais face au drame vécu en Colombie, le moment était venu où je ressentais l'obligation morale de laisser mon témoignage sur ce moment irrationnel de l'histoire de mon pays.. Je ne prétends pas que ces peintures puissent réparer quoi que ce soit, en fait je suis convaincu qu'ils ne résoudront rien. Je suis conscient que l'art ne change rien, les responsables des changements sont uniquement des politiciens. Je veux juste laisser un témoignage en tant qu'artiste qui a vécu et ressenti sa patrie et son époque. Ce serait comme dire: regarde la folie dans laquelle nous vivons, Espérons que cela ne se reproduise plus jamais. Je ne fais pas d'"art engagé", cet art qui aspire à transformer les choses, Je ne crois pas à ce genre d'art" (voir QUI)

Le cycle d'œuvres sur le monde féminin du maestro Botero le grand nombre d'œuvres démontre l'attention et l'intérêt de l'artiste pour les femmes, un thème qu'il considère lui-même comme l'un des thèmes majeurs de l'art universel. Le choix de représenter des femmes volumineuses contrairement au canon de minceur imposé aux femmes, ce n'est pas tant un choix de protestation contre les stéréotypes inculqués qu'un modèle de beauté, mais comme style et conviction personnelle de peintre et sculpteur qui transforme les formes de sujets volumineux en source de joie. Et l'art doit toujours générer et transmettre du plaisir. Le volume, selon Fernando Botero, est né dans la peinture à plat au Moyen Âge, mais ce sont des artistes italiens qui développeront le volume à partir de la Renaissance. Le volume est presque une "sorte de miracle" qui reste tel quel. Aujourd'hui, ce volume - réaffirme le Maître - fait désormais partie de l'histoire et de la perception même de l'art.. Mais c'était comme un "éclair" qu'on voit encore et dont on entend encore le son; miracle d'où, encore aujourd'hui, nous avons été étonnés. Parmi les œuvres les plus significatives de ces thèmes figurent de nombreuses peintures à caractère érotique telles que Femme avec du rouge à lèvres (femme avec rouge à lèvres) Aquarelle et encre sur papier, 2002, Bain, travail au crayon sur papier, 2002.

Jusqu'à présent, il n'y a pas de chiffre total sur le nombre d'œuvres de l'artiste., ni même un catalogue raisonné et mis à jour - compte tenu également des nombreuses donations d'œuvres que le Maestro a faites ces dernières années, comprenant de nombreuses œuvres et la plupart de ses sculptures les plus représentatives -, des cycles comme celui de la violence existent toujours, mais aussi une série de tableaux de sa jeunesse - il faut considérer que l'artiste peint presque tous les jours dès l'âge de 14 ans jusqu'au compliment de son 90 années; œuvres qui sont la propriété privée de la famille et qui n'ont pas été cataloguées. De la même manière, ce qui manque c'est une étude détaillée autour du monde de l'art "botériste"; selon l'estimation approximative, il pourrait dépasser davantage 2000 travaille entre les toiles, croquis, caricatures et illustrations pour journaux.

Parmi ses expositions en Italie doit être pris en compte: Rome, Palais de Venise, 2005, où il a présenté au public son cycle pictural avec cinquante toiles qui témoignaient des cris de protestation pleins d'une force inquiétante contre l'injustice commise contre les prisonniers de la prison d'Abu Ghraib en Irak. Des œuvres où il faut noter le soin apporté à l'utilisation de la perspective qui change en fonction du positionnement des barreaux de la prison: le spectateur est projeté à la fois à l'extérieur et à l'intérieur des cellules. Tout cela renforce le sentiment d’identification des victimes, un peu comme s’il y avait un renversement de position entre ceux qui observent et ceux qui souffrent, fonctionnel pour ressentir la souffrance des autres. Les images semblent plus compromettantes, profondément dérangeant et inquiétant, autant que les crimes commis. L'urgence artistique d'exprimer la colère et l'indignation ressenties, signifiait que l'artiste colombien s'est consacré au projet pendant plus d'un an et qu'au final, d'après ce qu'il a lui-même dit, cela l'a conduit à un sentiment de vide où il n'avait plus rien à dire. Suivant Palerme, Palais des Normands, 2015, considéré comme l'événement artistique de l'année dans la ville, et dans lequel le maestro Botero lui-même a déclaré que pour la création de Judas il s'était inspiré d'un mafieux comme le contient ce beau témoignage de son:

«J'étais fasciné par l'art italien et l'importance qu'il accorde aux formes et aux volumes. J'ai été séduit par la sensualité de la peinture italienne, par sa rondeur. Les formes plus fines sont désormais préférées, femmes minces, mais au début du siècle, on préférait les plus ronds. Une sensibilité qui change" (voir QUI).

Dans 2016 a fait une exposition itinérante avec les arrêts les plus significatifs à Palerme et à Rome intitulés: via Crucis. La passion du Christ dans lequel il aborde l'un des thèmes les plus abordés de la peinture sacrée occidentale de la Renaissance à nos jours: la passion et la mort de Jésus-Christ. Cycle de couleurs et de formes somptueuses à travers des sujets arrondis et froids. Thème sacré récurrent même si l'enseignant n'est pas considéré comme une personne religieuse, cependant, il reconnaissait à quel point le thème religieux avait en soi une belle et longue tradition artistique.. La via Crucis, pièce maîtresse de l'exposition, c'est la réinterprétation de l'artiste dans laquelle il mélange les traditions et les réalités latino-américaines avec le thème biblique, démontrant l'importance du drame des derniers jours de Jésus qui a marqué à jamais l'humanité entière. Dans ces huiles, Jésus apparaît très humain, sans auréoles, interprète de la souffrance du monde. La recherche du master se fait sur la combinaison de la vérité historique mélangée à quelques vérités, comme par exemple l'utilisation de personnages contemporains liés à l'image du Christ qui témoigne avec le style propre de Botero qu'il est croyant mais non pratiquant, profondément respectueux de la sphère du sacré sans tomber dans la satire. L'étude approfondie du sujet dramatique - sujet étudié comme thème de prédilection de l'art jusqu'au XVIe siècle - qui au XXe siècle pouvait avoir et offrir une nouvelle vision selon la sensibilité contemporaine. (voir QUI).

Dans 2017, au Palais Forti de Vérone, l'exposition monographique avait pour but de rendre hommage à cinquante ans de carrière avec 50 des chefs-d'œuvre qui résumaient la dimension onirique, fantastique et féerique avec un écho de nostalgie chez les animaux, Hommes; reconstitution de son continent natal, l'Amérique latine. Une exposition suivie à Bologne, au Palais Pallavicini, à l'automne de 2019, avec 50 œuvres comprenant des dessins en techniques mixtes et des aquarelles en couleurs sur le thème de la tauromachie et du cirque (voir QUI)

Il restera dans la mémoire et dans l'histoire de l'art l'exposition Batelier à Parme avec 47 des moulages en plâtre, des bronzes et plusieurs peintures au Palais du Gouverneur à 2013. Pendant, lors de la soirée d'ouverture, le Maître a déclaré:

« L'art doit faire plaisir au public, ne cause pas de souffrance ni ne dérange. Les sculptures et les peintures doivent parler clairement : "il ne doit y avoir aucune barrière à la compréhension" (voir QUI)

Il existe d'innombrables sculptures du maître Fernando Botero partout dans le monde mais pour l'amour que les Pères de L'île de Patmos envers les chats ― fidèles compagnons de travail acharné et de longues journées de travail dans la création de leurs textes ― il faut mentionner le Le chat de Botero, sculpture par 7 mètres de large par 2 mètres de haut et 2 épais avec une longue queue et un museau comique, maintenant un symbole distinctif du quartier Raval de Barcelone. Chat mammouth qui entre le 1987, année au cours de laquelle la municipalité de Barcelone l'a acheté, et le 2003, changé d'emplacement dans la ville plus de quatre fois - presque comme pour représenter les félins qui tourneront et se déplaceront continuellement jusqu'à ce qu'ils aient trouvé l'endroit idéal pour rester, comme notre chat Bruno qui a grimpé sur mon bureau d'ordinateur pendant que j'écrivais ces lignes sur le chat de Botero, se tournant avec force devant moi, empêchant parfois la vue de l'écran ou d'autres fois assis sur le clavier en tant que maître de l'espace. En fait, comme c'est arrivé avec Le chat de Botero, il doit essayer différents sièges et positions du corps avant de choisir ce qu'il pense être l'endroit le plus confortable, solennel et plus visible (voir QUI).

Vittorio Sgarbi dans une interview accordée le jour de la mort du Maestro, concernant la figure de Fernando Botero, il l'a défini comme un artiste de la vie. Un peintre qui dans chacune de ses œuvres représente la scène d'une comédie où tant le contexte de l'œuvre que le sujet de la toile lui-même racontent une chanson à la vie de leur quotidien.. Cette joie et cette gaieté de Botero étaient en un certain sens révolutionnaires par rapport au fil conducteur de l'art du XXe siècle., surtout celle générée par les avant-gardes qui ont certainement et magistralement exprimé la crise, la tragédie et le drame de l'homme et de la civilisation après deux guerres, avec la psychanalyse et la lutte sociale pour les libertés et les droits des sexes. D'une part, il est très facile de peindre une tragédie, surtout lorsque vous vivez des situations d'angoisse continue, alors qu'il est beaucoup plus difficile de raconter des histoires, contes de fées et magie aux couleurs de la vie; Cela donne également lieu au choix de modèles gras ou volumineux. La graisse évoque et représente le bonheur tandis que la minceur représente la tristesse, le drame et la douleur. Fernando Botero est un artiste qui reste fidèle à la tradition dans l'utilisation de la technique, des couleurs et aussi du choix du thème comme célébrer et mettre en valeur les couleurs de sa région de Noël magique-fantastique.

Concernant les propos exprimés par Fernando Botero à Parme Dans le 2013, Vittorio Sgarbi a réitéré que ce sont les raisons pour lesquelles son art est devenu universel, sa simplicité lui a permis de toucher et d'accueillir tout type de public et de traverser toute période historique ou forme de critique artistique. L'universalité du maître Fernando Botero n'a pas seulement transcendé les frontières des environnements spécifiquement artistiques ou académiques, mais aussi sociales. L'artiste lui-même était conscient de cette universalité démontrée par ses propos dans l'une de ses interviews., en racontant l'anecdote d'un voyage en Amazonie colombienne, être dans la région de Puerto Nariño, dans une petite maison pauvre, il trouva une reproduction d'une de ses œuvres, cette chose le laisse ravi.

Avec Fernando Botero, il meurt l'un des derniers grands de l'histoire de la peinture du XXe siècle.

 

de l'île de Patmos, 27 septembre 2023

 

REMARQUE

[1] Le dernier don connu est plus que cela 700 travaille aux musées et aux places qui embellissent la Colombie. Tout au long de sa vie, Fernando Botero a parrainé des bourses destinées à des talents capables de poursuivre leurs études en Colombie et à l'étranger dans le domaine de la musique., les arts plastiques, lettres et littérature. Ana María Escallón, auteur du livre Botéro: nouvelles œuvres sur toile et qui a participé au soutien de l'un des dons les plus importants devenus partie du patrimoine national, explique ce don comme un acte de charité total de la part de l'artiste, qui ne voulait rien garder avec lui et pour cette raison avait fait don de tout ce qu'il possédait dans le but de donner à la Colombie une vision internationale de l'art (voir QUI).

[2] Son lien avec l'Italie qu'il aimait tellement qu'il la considérait comme sa deuxième patrie, et comme je l'ai écrit plus haut, un lieu propice pour partager des périodes pleines de rencontres intimes et affectueuses avec ses enfants et petits-enfants a été réalisé grâce au don de l'œuvre à la municipalité de Pietrasanta. Le guerrier, nu en bronze de plus de quatre mètres situé sur la Piazza Matteotti de 1992 (voir QUI).

[3] «Je suis quelqu'un qui proteste contre la peinture moderne, mais en tout cas j'utilise ce qui est caché ou derrière: le jeu ironique et ce qu'il signifie est désormais reconnu par tout le monde. Je peins du figuratif et du réaliste, mais avec un strict sens de fidélité à la nature; Je ne donnerai jamais un coup de pinceau qui ne soit pas une description de quelque chose de réel: une bouche, des collines, un arbre. Mais ce que je décris est la réalité que j'ai trouvée. Cela pourrait être formulé de cette façon: Je fais une description réaliste d'une réalité irréaliste" (voir QUI).

[4] L'Argentine Maria Traba (1930-1983) Écrivain, Critique d'art et figure importante de l'avant-garde des années soixante-dix, elle fut une chercheuse décisive dans la reconnaissance et la crédibilité des artistes colombiens et sud-américains du siècle dernier.. Le travail théorique réalisé sur les œuvres de Fernando Botero a été le premier examen critique artistique qui a soutenu le travail de l'artiste afin de servir de carte de visite pour se présenter dans des expositions nationales et internationales.. L'intellectuel a décrit l'art de Fernando Botero comme une "Renaissance de la pierre" pour sa conception du bloc de formes: «ils ont poussé Botero vers des monstres qui représentaient un défi à la beauté et à la logique, par conséquent l'opinion publique qui exige ces deux vertus « théologiques » de l'art (logique et beauté) aussi insignifiants que puissent être les chiffres dans certains cas (sont nécessaires au public) donner son approbation à un artiste et à son art, mais l'art qui conteste si c'est vrai peut frapper jusqu'à l'horreur mais ne passera jamais inaperçu. Nul ne peut méconnaître le scandale provoqué par les figures énormes ainsi que la perplexité suscitée par les actions incongrues que accomplissaient les figures monstrueuses entourées d'un gigantisme innocent dans une immobilité suspecte ou un dynamisme congrégationaliste conduisant l'art de Botero à s'imposer dans le environnement culturel » (voir QUI) [traduction libre de l'auteur de cet article avec l'avis critique actualisé des critiques d'art qui, dans 1961 il a formulé ce jugement uniquement sur les œuvres picturales de l'artiste, ignorant tous les travaux de sculpture ultérieurs qui n'avaient pas encore été entrepris par le maître.]

[5] A plusieurs reprises, lorsqu'ils demandèrent au Maestro la raison du prix très élevé de ses œuvres, il a lui-même expliqué qu'il avait toujours voulu faire quelque chose de local et de spécifique mais avec honnêteté et ce, non seulement il a suscité l'empathie du grand public mais aussi des collectionneurs ou des amateurs d'art qui ont finalement payé généreusement avant tout son honnêteté..

[6] Pour l'anthropologue Maria Fernanda Escallón, l'art plastique de Fernando Botero a commencé à se réaliser à partir de 1975 lorsqu'il s'installe à Pietrasanta où il passe de la peinture à la sculpture. Comme si tout l'univers des figures monumentales développé dans les peintures trouvait écho dans la tridimensionnalité statuaire alimentée par la richesse imaginaire issue de la peinture qui a donné les idées., solutions et possibilités. La sculpture de Fernando Botero démonte la structure picturale pour synthétiser la forme dans l'unité de la sculpture (voir QUI)

[7] Les travaux du Master peuvent être regroupés dans ces groupes: religieux avec des madones, saints diables, ecclésiastiques, des religieuses et des religieuses; celui des grands maîtres dans lequel il revisite les principales œuvres de Jan Van Eyck, Masaccio, Paolo Uccello, Andrea Mantegna, Léonard de Vinci, Lucas Cranach, Albrecht Dürer, Caravage, Le Grégo, Vélasquez, etc ..; celui des natures mortes et vivantes avec des animaux et surtout les volumineuses sculptures des dernières décennies; celui de l'érotique avec les nus et les pratiques sexuelles, notamment les scènes de bordel; celui des hommes politiques, prima donnas et soldats; et enfin ceux fabriqués par des personnes en général ou imaginées comme des membres de la famille, autoportraits, vendeurs et collectionneurs d'art, Toréri.

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