Falleció Fernando Botero, potenciador de los colores grasos de la vida y antagonista de la anorexia artística contemporánea

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Jorge Facio Lince
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FERNANDO BOTERO HA MUERTO, POTENCIADOR DE LOS COLORES GRASOS DE LA VIDA Y ANTAGONISTA DE LA ANOREXIA ARTÍSTICA CONTEMPORÁNEA

La inspiración, estilo creativo, el genio es inutil, si esta grandeza no siempre va acompañada de mucho trabajo y sacrificio. Junto a esta dedicación al trabajo siempre estaba la elección de la vida.: «Hacer lo que nos gusta, Nunca dejes de hacer lo que te gusta y te hace sentir bien".

- Actualidad -

Autor:
Jorge Facio Lince
Presidente de Ediciones La isla de Patmos

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yo crecí allí'Sombra de la primera escultura del maestro Fernando Botero, Torso de mujer, conocido por todos como la Gorda o la GRAMOOrda de Berrio en referencia a la plaza del Parque de Berrío donde se encontraba la estatua antes de su traslado al parque temático creado en honor al artista. esta estatua gigantesco y voluminoso en el que fue construido 1987 y medida de 2 metros mi 48 centímetros de alto, un metro y 76 de ancho, 1 metro e 7 centímetros de profundidad.

La estatua había sido instalada frente a la sede regional del Banco del Estado y frente a una plaza que era una de las principales paradas de autobuses y taxis, además de ser un punto de encuentro. La forma de la escultura siempre me dejó asombrado y asombrado.: «Las mujeres no son así, ¿Qué colombiana es gorda así??!». Sin embargo, mi mirada siempre permaneció fija en esa obra iluminada en un juego de luces por el sol cuando el sol salía o se ponía..

Todos nacido en las últimas décadas del siglo pasado se deleitaron al observar esta escultura mientras se daba la transformación de la ciudad con la construcción de la primera red de metro de Colombia en la Ciudad de Medellín., que marcó el salto de la metrópoli andina desde una ciudad agrícola semiindustrial hacia el nuevo milenio que la proyectaría hacia el turismo, incluido el turismo artístico., gracias sobre todo al maestro Fernando Botero. En algunas estaciones de metro hay obras de arte inspiradas en él, en otros se puede sentir su espíritu y estilo y en uno particularmente, el que está cerca de la plaza donde se encuentra gorda hoy surge algo hermoso parque de arte con varias estatuas boterianas voluminosas.

En esos años no habíaEra un espacio de exposición. destinado a este gran intérprete de nuestro tiempo, De hecho, no había ningún espacio real para el arte.. Y para mí, como para muchos de mis otros compatriotas, el primer referente del mundo de las bellas artes fue el maestro Fernando Botero, cuya creatividad artística pudimos captar incluso de paso mientras esperábamos algún servicio de transporte o alguna persona. Hoy en día, las nuevas generaciones, no sólo podrán contemplar las numerosas obras repartidas por la ciudad, porque gracias a su mecenazgo -que lo convirtió en el mayor mecenas contemporáneo que tuvo la ciudad de Medellín y la propia Colombia- favoreció la creación de los diversos espacios expositivos con sus obras y las de maestros europeos., previamente excluidos si no fueron mencionados en libros de historia y enciclopedias [1].

La figura de Fernando Botero Para mí siempre ha estado fuera del ámbito artístico., modelo y recuerdo de una figura viril con la que crecí, Así eran mis abuelos y los hombres de mi tierra.. Siempre interesados ​​en el bien de la familia., en unión y armonía tanto en los momentos bellos como en los difíciles y dolorosos. Una unidad familiar también involucrada en los intereses y actividades de terrateniente, como han dicho en varias ocasiones los hijos del Maestro, cuando en memoria de su padre explicaron que en la creación de sus obras les pedía que lo ayudaran a pintar el lienzo. Luego utilizó algunos detalles como decoración en los márgenes inferiores de sus obras., Los trabajos de otros niños han sido cancelados., pero en ellos quedó el recuerdo y la enseñanza de haber ayudado a su padre participando en sus esfuerzos artísticos..

este tipo de hombres intentaron alimentar el hábito, hoy lamentablemente perdido u olvidado, Reunir a la familia para pasar tiempo en un lugar específico.. Por supuesto, en el caso del maestro, no se puede dejar de admirar su gran gusto por haber elegido la bella localidad toscana de Pietrasanta, en la provincia de Lucca.[2]. como el ambiente en el que cada vez que podía hacía venir a toda su familia a vivir días con momentos llenos de cariño para recordar toda la vida.. Incluso antes de desarrollar su estilo y sus obras., una de las principales enseñanzas que nunca dejó de transmitir, especialmente a su familia y a sus pocos amigos - Botero era una persona muy reservada - era su trabajo: "sólo hay uno 5% inspirador y 95% de sudoración", porque en su opinión todo tipo de trabajo tenía que estar tan bien hecho y era tan agotador que hacía sudar.

La inspiración, estilo creativo, el genio no sirven de nada, si esta grandeza no siempre va acompañada de mucho trabajo y sacrificio. Junto a esta dedicación al trabajo siempre estaba la elección de la vida.: «Hacer lo que nos gusta, Nunca dejes de hacer lo que te gusta y te hace sentir bien". En uno de los últimos documentales realizados en su honor, el maestro, al final del vídeo, Se ve sentado en una silla frente a una pequeña y sencilla casa típica de las zonas rurales de la ciudad.. En declaraciones al entrevistador se queja de la tristeza que sentía al saber que pronto moriría y que aún le quedaban muchas cosas por hacer., y esto lo hizo sentir feliz. La obra, ese trabajo que había elegido seguir toda su vida, le dio placer, porque el escogió hacerlo.

El estilo característico del artista llamó “butterismo", no se compone de figuras gordas sino "voluminosas" representadas en diferentes escenarios y situaciones, siguiendo la tradición europea que cobró vida en el Renacimiento con Miguel Ángel, Mantegna, Raffaello, Piero della Francesca[3]. Acompañado en su arte escultórico por la inspiración del sereno monumentalismo de Paolo Uccello. Un estilo figurativo combinado con una estética colorida y adorable que se inspiró en el estilo dramático de los primeros años. muralistas Diego Rivera y José Clemente Orozco, Posteriormente profundizó durante su estancia en Europa mientras estudiaba en las Academias de Bellas Artes de San Fernando en España., con estudios sobre las obras de Goya y Velázquez, y en la Accademia Fiorentina di San Marco con el estudio de las obras de Tiziano, Giotto y Botticelli[4]. El Maestro se proyecta así en los años 80 con el desarrollo del volumen ampliado de la forma que, a pesar de las dimensiones "exageradas", no perturba la proporción de la figura en todas sus características., sin renunciar a esas influencias que son propias de su tierra colombiana, color vibrante, animado y brillante, inspirado en su propia ciudad natal de Medellín, conocido por urbanizaciones ricas en un cromatismo exagerado y marcado que recuerda ese estilo ingenuo capaz de transmitir las notas despreocupadas de una vida tranquila al aire libre, hasta los dolorosos "acentos" de la violencia vista y vivida.

Parece que en los años cincuenta el Maestro encontró su dimensión estilística cuando en la creación del estudio de naturaleza muerta aplicó la "dilatación" a la mandolina. El artista quedó visceralmente impactado por el resultado de su forma dilatada más allá de lo natural., generando así la evocación de una profunda sensualidad como signo de vitalidad, de alegría y prosperidad en que se convertirá esta voluminosa expresión en los años venideros, Carácter original propio reconocido mundialmente.. Así describe este significativo momento en una entrevista en 2007:

«Lo que pasó fue muy simple. Estaba dibujando una mandolina con un perfil muy generoso como aprendí de los italianos.. Luego, En el momento en que corté el agujero en la mandolina., lo hice muy pequeño. De repente, esta mandolina se hizo enorme, monumental por el contraste entre el pequeño detalle y el contorno generoso. vi que algo paso ahi. Inmediatamente comencé a intentar visualizar otros temas.. Llevó mucho tiempo - 10, 15 años – antes de que desarrollara una visión más o menos coherente de lo que quería hacer, pero al principio fue ese pequeño boceto inspirado en mi amor por el arte italiano" (ver AQUI).

A principios de los años setenta comienza su cotización comercial[5] y elogios de la crítica, después de haber fijado su residencia en Europa[6]. Fue entonces cuando el Maestro comenzó a crear esculturas siguiendo el estilo voluminoso que parece emerger de los lienzos para adquirir la tridimensionalidad conocida en sus obras repartidas por el mundo.[7].

Los ochentas, hasta los primeros años del nuevo siglo, caracterizan la investigación artística del maestro con representaciones y escenas de violencia vividas con la guerra contra el narcotráfico en Medellín y el ciclo pictórico sobre los diferentes informe sobre la tortura de prisioneros en la prisión de Abu Ghraib por miembros del ejército de los Estados Unidos y la CIA durante la guerra de Irak.

Independientemente del reconocimiento público y comercial, cierta forma de crítica artística nunca ha sido positiva o indulgente con él. Desde sus primeras exposiciones en Estados Unidos, varios críticos norteamericanos lo han juzgado de manera destructiva - a diferencia del público que lo ha apreciado profundamente desde sus primeras obras - definiendo al artista y su arte como "no pertenecientes a la evolución contemporánea".; Figuras humanas simplistas y caricaturizadas insertadas en contextos soleados de la vida familiar.; falta de seriedad en sus esculturas que le privó de un examen crítico específico". Sino a definirlo: «Un simple fenómeno comercial de un autor autorreferencial desconectado de la realidad» (ver AQUI).

Aunque esto pueda parecer un juicio subjetivo o sesgado, Creo que puedo decir que el Maestro fue uno de los pocos, si no el último gran artista que durante su vida mantuvo la calidad y el valor de sus obras en un nivel muy alto. También al respecto existen varios testimonios contados por los propios familiares que recuerdan tiempos pasados., durante períodos de dificultades y penurias económicas, cuando ya era reconocido por su habilidad pero aún no había tenido resultados económicos, pero lleno de tanta imaginacion, Caminé por las ciudades donde, si encontrara algún trozo de madera o acero que creyera que le sería útil, lo tomaba y lo usaba para crear juguetes para sus hijos o utensilios para la casa. Por eso, en la falta de dinero abundaba la imaginación y el deseo de crear siempre algo nuevo y útil..

El Maestro fue un gran entusiasta. de muchos deportes, especialmente futbol, uno de los deportes más seguidos en su Colombia natal, especialmente en medellin. Este gran interés por el fútbol entre los colombianos, desde los primeros años de vida, encuentra confirmación en el trabajo Niños jugando al futbol (niños jugando futbol).

La equitación se representa indirectamente. sobre un lienzo que resultó ser la obra que marcó uno de los momentos más tristes de la vida del artista: Pedrito a caballo. Cuadro calificado por el propio Autor como el cuadro que había pintado con mayor dolor en su vida y por ello lo consideraba la obra que más amaba y también su obra maestra.. Este lienzo nace del duelo que tuvo por la muerte de su hijo de cuatro años en un accidente de coche en la España de los años setenta.. Este lienzo se encuentra en el museo de la región de origen del autor y es un retrato donde predomina el azul de un niño montado en un caballo de juguete., en las esquinas inferiores se representan las escenas dolorosas del padre que vio a su hijo muerto y luego la escena de los padres afligidos dentro de la casa vacía. (ver AQUI).

El ciclo de sus obras taurinas hecho principalmente en la década de 1980, se considera como la "confesión del artista", una reflexión sobre la muerte y su presencia en un ejercicio de nostalgia y lucha sobre los escenarios dramáticos del toreo. Personalmente recuerdo mi etapa de estudios en la Universidad de Salamanca., cuando un profesor intenta argumentar el significado y valor universal de la tauromaquia, explicó que antes de carrera los toros vivieron libres, fuertes y servidos como dioses. Sólo se eligieron los ejemplares más fuertes y majestuosos que se habían ganado la oportunidad de demostrar toda su raza y garbo en la Arena., "en igualdad de condiciones" entre el feo y puro poder del toro frente al dominio del baile y la provocación del torero. En opinión del profesor de cultura clásica., es una versión moderna de la lucha de gladiadores, o incluso más la evocación moderna de las luchas del hombre contra las figuras mitológicas y divinas de la antigüedad.; donde la habilidad del hombre que lucha y hasta pone en riesgo su vida, sin nada escrito o definido como en el juego administrado solo por, del destino.

Como explicación del toreo convertido en tema del arte pictórico del Maestro, las tradiciones de su tierra natal permanecen. En la misma ciudad de Medellín hay una Arena muy reconocida en la zona andina., y la apertura de la temporada carreras marcó una fecha especialmente significativa en la vida social de los ciudadanos. Si los partidos de fútbol fueran el epicentro de la pasión y el interés popular en la ciudad, las jornadas en el ruedo con sus espectáculos taurinos eran el punto de apoyo para la clase media alta de la ciudad.

Según algunas fuentes cercanas al maestro fue el gusto por el toreo lo que generó el amor por la pintura en el joven Fernando Botero. Significativo, dentro de este ciclo pictórico, la obra La cornada, óleo sobre lienzo, 1998. Manifestación emblemática de la pasión del artista por los toros y su reflexión sobre la muerte caracterizada por la expresión de satisfacción que refleja el rostro del torero tras ser corneado.. Otros trabajos relevantes son toro muriendo 1985, Muerte de Ramde las torres, 1986.

El ciclo de obras sobre la violencia en Colombia ha planteado muchas preguntas en los círculos académicos y críticos de arte sudamericanos sobre la relación entre la realidad y el arte., especialmente como se alimentan, El arte y la violencia se alinean o se niegan mutuamente.. Para algunos, la conexión entre arte y realidad en estas obras mantiene un significado posible sólo a nivel social ya que la representación del artista constituye una "objetivación" de la experiencia para hacerla accesible a quienes la contemplan.. como consecuencia, las creaciones del artista, son una necesidad racional, no es un simple deseo, ni un capricho o una necesidad psicológica. Se anima a quienes miran esas obras a centrar su atención en el estado concreto de la realidad social o del individuo., sin promover ni glorificar un sistema ideológico o político que acabaría poniendo en riesgo la propia autonomía del arte, convirtiéndolo en una herramienta política o un medio de disuasión y distracción para quienes observan la obra artística..

Otros consideran que esta conexión forma un todo único. que permite tanto al artista como a quienes observan sus obras la posibilidad de captar una posición y una elección concreta de un momento histórico específico de la vida y de la realidad.. Creando así, no el sentido creativo arbitrario de inspiración y/o contemplación; sino como condición de posibilidad tanto para la creatividad artística como para la cultura y experiencia subjetiva de quienes contemplan. La condición de posibilidad y/o elección se convierte en, Así, un compromiso de producción individual que ofrece significado y propósito a las obras de arte como aspiraciones, Motivaciones para la comunidad y para la singularidad tanto del artista como del visitante..

Otras opiniones han catalogado este ciclo pictórico como un acto hedonista de un artista autorreferencial que vive en un "limbo" pseudoexpresionista de realismo fallido intensificado por la acentuación de ciertos aspectos particulares a través de figuras grotescas que acercan muy cerca la gravedad del conflicto armado vivido en Colombia. caricaturizar. El propio Maestro tuvo que volver a hablar de su ciclo pictórico en varias ocasiones, en uno de ellos dijo:

«Siempre he expresado, y lo hice hasta hace poco: El arte es dar placer y no molestar o angustiar al público.. ¿Quién ha visto un cuadro impresionista triste?? Cuando viste a un Tiziano triste? un Velazquez triste? La gran pintura tiene una actitud positiva hacia la vida.. Estoy en contra del arte que se transforma en testigo del tiempo como arma de combate.. Pero ante el drama que se vivió en Colombia, había llegado el momento en que sentí la obligación moral de dejar mi testimonio sobre el momento irracional de la historia de mi país.. No pretendo que estas pinturas puedan arreglar nada., de hecho estoy convencido de que no solucionarán nada. Soy consciente de que el arte no cambia nada., Los responsables de los cambios son únicamente los políticos.. Solo quiero dejar un testimonio como artista que vivió y sintió su tierra y su tiempo.. Sería como decir: mira la locura en la que vivimos, Esperemos que no vuelva a suceder. No hago "arte comprometido", ese arte que aspira a transformar las cosas, No creo en ese tipo de arte" (ver AQUI)

El ciclo de obras sobre el mundo femenino del maestro Botero el gran número de obras demuestra la atención y el interés del artista por las mujeres, un tema que él mismo considera uno de los temas principales del arte universal. La elección de representar mujeres voluminosas contrariamente al canon de delgadez impuesto a las mujeres, No es tanto una opción de protesta contra los estereotipos que se inculcan como modelo de belleza., sino como estilo y convicción personal como pintor y escultor que transforma las formas de temas voluminosos en una fuente de alegría.. Y el arte siempre debe generar y transmitir placer.. el volumen, según fernando botero, Nació en la pintura plana durante la Edad Media., pero fueron los artistas italianos quienes desarrollaron el volumen a partir del Renacimiento.. El volumen es casi una "especie de milagro" que aún permanece como está.. Hoy este volumen - reitera el Maestro - ha pasado a formar parte de la historia y de la percepción misma del arte.. Pero fue como un "relámpago" que aún se puede ver y cuyo sonido aún se puede escuchar.; milagro del cual, hoy otra vez, estábamos asombrados. Entre las obras más significativas de estos temas se encuentran numerosas pinturas de carácter erótico como Mujer con lapis de labios (mujer con lápiz labial) Acuarela y tinta sobre papel, 2002, Baño, trabajo a lápiz sobre papel, 2002.

Hasta el momento no hay una cifra total del número de obras del artista., ni siquiera un catálogo razonado y actualizado - considerando también las numerosas donaciones de obras que el Maestro ha hecho en los últimos años, incluyendo muchas obras y la mayoría de sus esculturas más representativas -, Todavía existen ciclos como el de la violencia., sino también una serie de cuadros de su juventud; hay que tener en cuenta que el artista pintaba casi todos los días desde los años 14 años hasta el cumplido de su 90 años; obras que son propiedad privada de la familia y no han sido catalogadas. Del mismo modo, lo que falta es un estudio detallado del mundo del arte "boterista"; según una estimación aproximada podría superar más 2000 obras entre lienzos, bocetos, caricaturas e ilustraciones para periódicos.

Entre sus exposiciones en Italia debe ser considerada: Roma, Palacio Venecia, 2005, donde presentó al público su ciclo pictórico con cincuenta lienzos que testimoniaban los gritos de protesta llenos de fuerza inquietante contra la injusticia cometida contra los presos en la prisión de Abu Ghraib en Irak.. Obras donde hay que destacar el cuidado en el uso de la perspectiva que cambia según la posición de los barrotes de la prisión.: el espectador se proyecta tanto fuera como dentro de las celdas. Todo ello potencia el sentido de identificación en las víctimas., casi como si hubiera un cambio de posición entre quienes observan y quienes sufren, funcional para sentir el sufrimiento de los demás. Las imágenes parecen más comprometedoras., profundamente perturbador y perturbador, tanto como los crímenes cometidos. La urgencia artística de expresar la rabia y la indignación sentidas, significó que el artista colombiano se dedicó al proyecto por más de un año y que al final, según lo que él mismo dijo, Lo llevó a una sensación de vacío en la que no tenía nada más que decir.. Siguiendo palermo, Palacio de los normandos, 2015, considerado el evento artístico del año en la ciudad, y en el que el propio maestro Botero declaró que para la creación de Judas se inspiró en un mafioso como consta en este hermoso testimonio de su:

«Me fascinó el arte italiano y la importancia que le da a las formas y al volumen.. Me sedujo la sensualidad de la pintura italiana., por su redondez. Ahora se prefieren formas más delgadas., mujeres delgadas, pero a principios de siglo se preferían los más redondos. Una sensibilidad que cambia" (ver AQUI).

En el 2016 hizo una exposición itinerante con las paradas más significativas en Palermo y Roma tituladas: Vía Crucis. la pasión de cristo en el que abordó uno de los temas más tratados en la pintura sacra occidental desde el Renacimiento hasta la actualidad: La pasión y muerte de Jesucristo.. Ciclo de suntuosos colores y formas a través de temas redondeados y fríos.. Tema sagrado recurrente aunque el maestro no sea considerado una persona religiosa, sin embargo, reconoció cómo el tema religioso tenía en sí mismo una hermosa y larga tradición artística.. LA Vía Crucis, pieza central de la exposición, es la reinterpretación del artista en la que mezcla tradiciones y realidades latinoamericanas con la temática bíblica, demostrando la importancia del drama de los últimos días de Jesús que marcó para siempre a toda la humanidad. En estos óleos Jesús aparece muy humano, sin halos, intérprete del sufrimiento del mundo. La investigación de la maestría se realiza sobre la combinación de la verdad histórica mezclada con algunas verdades., como por ejemplo el uso de personajes contemporáneos relacionados con la imagen de Cristo que testimonia con el estilo propio de Botero su ser creyente pero no practicante., Profundamente respetuoso del ámbito de lo sagrado sin caer en la sátira.. El estudio en profundidad del Máster sobre el tema dramático -tema estudiado como tema favorito del arte hasta el siglo XVI- que en el siglo XX podría tener y ofrecer una nueva visión acorde a la sensibilidad contemporánea. (ver AQUI).

En el 2017, en el Palacio Forti de Verona, la exposición monográfica se celebró para homenajear cincuenta años de trayectoria con 50 obras maestras que resumieron la dimensión onírica, Fantástico y de cuento de hadas con un eco de nostalgia entre los animales., hombres; recreación de su continente natal de América Latina. Siguió una exposición en Bolonia, en el Palacio Pallavicini, en el otoño de 2019, con 50 obras que incluyen dibujos en técnica mixta y acuarelas en color con el tema de la tauromaquia y el circo (ver AQUI)

Quedará en la memoria y en la historia del arte. La exibición Botero a Parma con 47 yesos, bronces y varias pinturas en el Palacio del Gobernador de 2013. Durante, La fiesta inaugural declaró el Maestro.:

«El arte debe dar placer al público, no causar sufrimiento ni molestar. Las esculturas y pinturas deben hablar claro"no debe haber barreras para el entendimiento" (ver AQUI)

Existen innumerables esculturas del maestro Fernando Botero. en todo el mundo sino por el amor que los Padres de La Isla de Patmos tienen hacia los gatos ―fieles compañeros de arduo trabajo y largas jornadas de trabajo en la creación de sus textos― hay que mencionar el Gato de Botero, escultura de 7 metros de ancho por 2 metros de altura y 2 grueso con cola larga y hocico cómico, ahora un símbolo distintivo del barrio del Raval de Barcelona. Gato mamut que entre los 1987, año en que lo compró el ayuntamiento de Barcelona, y el 2003, Cambió de ubicación dentro de la ciudad más de cuatro veces, casi como para representar a los felinos que continuamente darán vueltas y se moverán hasta encontrar el lugar perfecto para quedarse., como nuestro gato Bruno que se subió al escritorio de mi computadora mientras escribía estas líneas sobre el gato de Botero, girando con fuerza frente a mí, a veces impidiendo la vista de la pantalla u otras veces sentándose en el teclado como dueño del espacio. De hecho, como sucedió con Gato de Botero, Tiene que probar diferentes asientos y posiciones del cuerpo antes de elegir cuál cree que será el lugar más cómodo., solemne y más visible (ver AQUI).

Vittorio Sgarbi en una entrevista concedida el día de la muerte del Maestro, respecto a la figura de Fernando Botero lo definió como un artista de la vida. Un pintor que en cada una de sus obras representa la escena de una comedia donde tanto el contexto de la obra como el propio tema del lienzo cuentan un canto a la vida en su cotidianidad.. Esta alegría y jovialidad de Botero fue en cierto sentido revolucionaria contra el hilo conductor del arte del siglo XX., especialmente la generada por las vanguardias que han expresado certera y magistralmente la crisis, La tragedia y el drama del hombre y la civilización después de dos guerras., con el psicoanálisis y la lucha social por las libertades y derechos de los sexos. Por un lado es muy fácil pintar tragedia, especialmente cuando vives situaciones de angustia continua, mientras que es mucho más difícil contar historias, cuentos de hadas y magia con los colores de la vida; Esto también da lugar a la elección de modelos gordos o voluminosos.. La grasa evoca y representa la felicidad mientras que la delgadez representa la tristeza., el drama y el dolor. Fernando Botero es un artista que se mantiene fiel a la tradición en el uso de la técnica, de los colores y también de la elección de la temática como celebrar y realzar los colores de su mágica-fantástica región navideña..

Sobre las palabras expresadas por Fernando Botero en Parma en el 2013, Vittorio Sgarbi reiteró que estas fueron las razones por las que su arte se ha vuelto universal, su sencillez le permitió llegar y acoger a cualquier tipo de público y atravesar cualquier época histórica o forma de crítica artística.. La universalidad del maestro Fernando Botero no sólo ha trascendido las fronteras de ámbitos específicamente artísticos o académicos, pero también sociales. El propio artista era consciente de esta universalidad demostrada con sus palabras en una de sus entrevistas., al contar la anécdota de un viaje a la Amazonía colombiana, estando ubicado en la región de Puerto Nariño, Dentro de una pequeña y pobre casa encontró una reproducción de una de sus obras., esta cosa lo deja embelesado.

Con Fernando Botero muere uno de los últimos grandes de la historia de la pintura del siglo XX.

 

desde la Isla de Patmos, 27 Septiembre 2023

 

NOTAS

[1] La última donación conocida es más que eso. 700 obras a los museos y plazas que embellecen a colombia. A lo largo de su vida Fernando Botero patrocinó becas destinadas a talentos que pudieran continuar sus estudios tanto dentro de Colombia como en el extranjero en las áreas de la música., las artes plasticas, letras y literatura. Ana Maria Escallón, autor del libro Botero: nuevas obras sobre lienzo y quienes participaron apoyando una de las mayores donaciones que pasó a formar parte del patrimonio nacional, explica esta donación como un acto total de caridad por parte del artista, quien no quería quedarse con nada y por eso había donado todo lo que tenía con el objetivo de darle a Colombia una visión internacional del arte. (ver AQUI).

[2] Su vínculo con Italia, que amaba tanto que la consideraba su segundo hogar., y como escribí anteriormente, con la donación de la obra al Municipio de Pietrasanta se logró un lugar propicio para compartir períodos llenos de encuentros íntimos y afectuosos con sus hijos y nietos. El guerrero, desnudo de bronce de más de cuatro metros ubicado en Piazza Matteotti de 1992 (ver AQUI).

[3] «Soy alguien que protesta contra la pintura moderna., pero en cualquier caso uso lo que está escondido o detrás de él: El juego irónico y lo que significa ahora es reconocido por todos.. Pinto figurativo y realista., pero con un estricto sentido de fidelidad a la naturaleza; Nunca daré una pincelada que no sea una descripción de algo real.: una boca, de las colinas, un árbol. Pero lo que describo es la realidad encontrada por mí.. Se podría formular de esta manera.: Hago una descripción realista de una realidad irreal" (ver AQUI).

[4] L’argentina Maria Traba (1930-1983) Escritor, Crítica de arte e importante figura de la vanguardia de los años setenta, fue una estudiosa decisiva en el reconocimiento y credibilidad de los artistas colombianos y sudamericanos del siglo pasado.. El trabajo teórico realizado sobre la obra de Fernando Botero fue el primer examen crítico artístico que sustentó la obra del artista para que sirviera de tarjeta de presentación para presentarse en exposiciones nacionales e internacionales.. El intelectual calificó el arte de Fernando Botero como un “Renacimiento de la piedra” por su concepción del bloque de formas: «Empujaron a Botero hacia monstruos que representaban un desafío a la belleza y la lógica., en consecuencia, la opinión del público que exige estas dos virtudes "teologales" del arte (lógica y belleza) por insignificantes que puedan ser las cifras en determinados casos (son necesarios para el público) Dar aprobación a un artista y su arte., pero el arte que cuestiona si es verdad puede llegar al punto del horror pero nunca pasará desapercibido.. Nadie puede dejar de reconocer el escándalo que suscitaron las enormes figuras así como la perplejidad suscitada por las incongruentes acciones que las monstruosas figuras llevaron a cabo rodeadas de un gigantismo inocente en una sospechosa inmovilidad o de un dinamismo congregacional que llevó al arte de Botero a imponerse en el entorno cultural » (ver AQUI) [traducción libre del autor de este artículo con la opinión crítica actualizada de los críticos de arte que en 1961 formuló este juicio sólo sobre las obras pictóricas del artista, ignorando todo el trabajo escultórico posterior que aún no había sido realizado por el maestro.]

[5] En varias ocasiones cuando le preguntaron al Maestro el motivo del altísimo precio de sus obras, él mismo explicó que siempre había querido hacer algo local y específico pero con honestidad y esto, no sólo generó empatía por parte del público en general sino también de coleccionistas o amantes del arte que al final pagaron generosamente sobre todo por su honestidad..

[6] Para la antropóloga María Fernanda Escallón, el arte plástico de Fernando Botero comenzó a realizarse a partir de 1975 cuando se instaló en Pietrasanta donde hizo la transición de la pintura a la escultura. Como si todo el universo de figuras monumentales desarrollado en las pinturas encontrara un eco en la tridimensionalidad estatuaria alimentada por la riqueza imaginaria proveniente del cuadro que dio las ideas., soluciones y posibilidades. La escultura de Fernando Botero desmonta la estructura pictórica para sintetizar la forma en la unidad de la escultura. (ver AQUI)

[7] Los trabajos del Máster se pueden agrupar en estos grupos: religioso con vírgenes, santos demonios, clérigos, monjas y monjas; el de los grandes maestros en el que revisita las principales obras de Jan Van Eyck, Masaccio, Paolo Uccello, Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Lucas Cranach, Alberto Durero, Caravaggio, el grego, Velázquez, etc ..; el de los bodegones y los vivos con animales y especialmente las voluminosas esculturas de las últimas décadas; el de lo erótico con desnudos y prácticas sexuales, especialmente escenas de burdeles; el de los politicos, prima donnas y soldados; y finalmente los realizados por personas en general o imaginados como miembros de la familia., autorretratos, vendedores y coleccionistas de arte, torero.

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