Fernando Botero ist gestorben, Verstärker der fetten Farben des Lebens und Antagonist der zeitgenössischen künstlerischen Magersucht

/in /von
Jorge Facio Lynx
Letzte Artikel von Jorge Facio Lynx (Alle anzeigen)

FERNANDO BOTERO IST TOT, VERSTÄRKER DER FETTFARBEN DES LEBENS UND GEGENTEIL DER ZEITGENÖSSISCHEN KÜNSTLERISCHEN ANOREXIE

Die Inspiration, kreatives Gespür, Genie ist nutzlos, wenn diese Größe nicht immer mit harter Arbeit und Opferbereitschaft einhergeht. Neben dieser Hingabe an die Arbeit gab es immer auch die Wahl für das eigene Leben: „Machen Sie, was uns gefällt, Hören Sie nie auf, das zu tun, was Ihnen gefällt und was Ihnen ein gutes Gefühl gibt..

- Aktualität -

Autor:
Jorge Facio Lynx
Präsident von Editions Die Insel Patmos

.

Artikel im PDF-Druckformat

 

.

Ich bin dort aufgewachsen'Schatten der ersten Skulptur des Meisters Fernando Botero, Frauentorso, allen bekannt als das dicke Mädchen Ö der gBerrios Befehl in Anspielung auf den Platz Parque de Berrío, auf dem sich die Statue befand, bevor sie in den zu Ehren des Künstlers geschaffenen Themenpark verlegt wurde. Diese Statue gigantisch und voluminös war es eingebaut 1987 und Maß von 2 Meter e 48 Zentimeter groß, einen Meter und 76 in der Breite, 1 U-Bahn e 7 Zentimeter tief.

Die Statue war installiert vor dem regionalen Hauptsitz der Staatsbank und vor einem Platz, der eine der wichtigsten Bus- und Taxihaltestellen war, sowie als Treffpunkt. Die Form der Skulptur hat mich immer erstaunt und verwundert zurückgelassen: „Frauen sind nicht so, Welche kolumbianische Frau ist so fett??!». Dennoch blieb mein Blick immer auf dieses von der Sonne in einem Lichterspiel beleuchtete Werk gerichtet, wenn die Sonne auf- oder unterging..

All die in den letzten Jahrzehnten geboren des letzten Jahrhunderts freuten sich, diese Skulptur zu beobachten, als die Stadt mit dem Bau des ersten U-Bahn-Netzes Kolumbiens in der Stadt Medellin umgestaltet wurde, Dies markierte den Sprung nach vorn der Andenmetropole von einer halbindustriellen Agrarstadt hin zum neuen Jahrtausend, das sie in Richtung Tourismus, einschließlich Kunsttourismus, lenken sollte, Vielen Dank nicht zuletzt an Maestro Fernando Botero. In einigen U-Bahn-Stationen gibt es von ihm inspirierte Kunstwerke, in anderen kann man seinen Geist und Stil spüren und in einem ganz besonders, der in der Nähe des Platzes, wo er steht Gorda heute erhebt sich etwas Schönes Kunstpark mit mehreren voluminösen boterischen Statuen.

In jenen Jahren gab es keineEs war ein Ausstellungsraum bestimmt für diesen großen Interpreten unserer Zeit, Tatsächlich gab es überhaupt keinen wirklichen Raum für Kunst. Und für mich, wie für viele meiner anderen Landsleute, Der erste Hinweis auf die Welt der schönen Künste war der Meister Fernando Botero, deren künstlerische Kreativität wir sogar im Vorbeigehen beim Warten auf einen Transportdienstleister oder eine andere Person einfangen konnten. Heute, die neuen Generationen, Sie können nicht nur die zahlreichen Werke betrachten, die über die ganze Stadt verstreut sind, Denn dank seiner Schirmherrschaft – die ihn zum größten zeitgenössischen Mäzen der Stadt Medellín und Kolumbiens selbst machte – begünstigte er die Schaffung verschiedener Ausstellungsräume mit seinen Werken und denen europäischer Meister, bisher ausgeschlossen, wenn sie nicht in Geschichtsbüchern und Enzyklopädien erwähnt wurden [1].

Die Figur von Fernando Botero Für mich lag es immer außerhalb des künstlerischen Umfelds, Vorbild und Erinnerung an eine männliche Figur, mit der ich aufgewachsen bin, Das galt auch für meine Großeltern und die Männer meines Landes. Immer am Wohl der Familie interessiert, in Einheit und Harmonie in schönen Momenten ebenso wie in schwierigen und schmerzhaften. Eine Familieneinheit, die auch an den Interessen und Aktivitäten von beteiligt ist Grundbesitzer, wie die Kinder des Meisters mehrfach gesagt haben, Als sie im Gedenken an ihren Vater erklärten, dass er sie bei der Schaffung ihrer Werke gebeten hatte, ihm beim Bemalen der Leinwand zu helfen. Einige Details wurden von ihm dann als Verzierungen in den unteren Rändern seiner Werke verwendet, Andere Kinderjobs wurden gestrichen, aber in ihnen blieb die Erinnerung und die Lehre, ihrem Vater durch die Teilnahme an seinen künstlerischen Bemühungen geholfen zu haben.

Diese Art von Männern Sie versuchten, die Gewohnheit zu pflegen, heute leider verloren oder vergessen, die Familie zusammenzubringen, um Zeit an einem bestimmten Ort zu verbringen. Natürlich kann man im Fall des Maestro nicht umhin, seinen großen Geschmack zu bewundern, weil er sich für die wunderschöne toskanische Stadt Pietrasanta in der Provinz Lucca entschieden hat[2]. wie die Umgebung, in der er, wann immer er konnte, seine ganze Familie zusammenbringen konnte, um Tage voller Zuneigung zu erleben, an die er sich ein Leben lang erinnern wird. Noch bevor er seinen Stil und seine Werke entwickelte, eine der wichtigsten Lehren, die er nie aufgehört hat, weiterzugeben, vor allem seiner Familie und seinen wenigen Freunden – Botero war ein sehr privater Mensch – es war seine Arbeit: "Es gibt nur eins 5% inspirierend und 95% vom Schwitzen“, Denn seiner Ansicht nach musste jede Art von Arbeit so gut erledigt und ermüdend sein, dass man ins Schwitzen kam.

Die Inspiration, kreatives Gespür, das Genie sie nützen nichts, wenn diese Größe nicht immer mit harter Arbeit und Opferbereitschaft einhergeht. Neben dieser Hingabe an die Arbeit gab es immer auch die Wahl für das eigene Leben: „Machen Sie, was uns gefällt, Hören Sie nie auf, das zu tun, was Ihnen gefällt und was Ihnen ein gutes Gefühl gibt.. In einem der neuesten Dokumentarfilme, die zu seinen Ehren gedreht wurden, der Lehrer, am Ende des Videos, Er scheint auf einem Stuhl vor einem kleinen und einfachen Haus zu sitzen, das typisch für die ländlichen Gebiete der Stadt ist. Im Gespräch mit dem Interviewer beklagt er sich über die Traurigkeit, die er empfand, weil er wusste, dass er bald sterben würde und noch viel zu tun hatte, und das machte ihn glücklich. Die Arbeit, den Beruf, für den er sich sein ganzes Leben lang entschieden hatte, es machte ihm Freude, weil er sich dafür entschieden hat.

Der charakteristische Stil dDer Künstler nannte „Butterismus, Es besteht nicht aus dicken, sondern aus „voluminösen“ Figuren, die in verschiedenen Szenarien und Situationen dargestellt werden, in Anlehnung an die europäische Tradition, die in der Renaissance mit Michelangelo zum Leben erweckt wurde, Mantegna, Raffaello, Piero della Francesca[3]. Begleitet wird er in seiner bildhauerischen Kunst von der Inspiration des heiteren Monumentalismus von Paolo Uccello. Ein figurativer Stil kombiniert mit einer farbenfrohen und liebenswerten Ästhetik, die sich vom dramatischen Stil der frühen Jahre inspirieren ließ Wandmaler Messicani Diego Rivera und José Clemente Orozco, Anschließend vertiefte er sich während seines Aufenthalts in Europa während seines Studiums an den Akademien der Schönen Künste von San Fernando in Spanien, mit Studien zu den Werken von Goya und Velázquez, und an der Accademia Fiorentina di San Marco mit dem Studium der Werke Tizians, Giotto und Botticelli[4]. Der Meister projiziert sich somit in die 1980er Jahre mit der Entwicklung des erweiterten Volumens der Form, das trotz der „übertriebenen“ Dimensionen die Proportionen der Figur in all ihren Merkmalen nicht stört., ohne die Einflüsse aufzugeben, die charakteristisch für sein kolumbianisches Heimatland sind, lebendige Farben, lebendig und brillant, inspiriert von seiner Heimatstadt Medellin, bekannt für Urbanisierungen, die reich an übertriebener und ausgeprägter Chromatik sind, die an diesen Stil erinnern naiv in der Lage, die unbeschwerten Töne eines friedlichen Lebens unter freiem Himmel zu vermitteln, bis hin zu den schmerzhaften „Akzenten“ der gesehenen und erlebten Gewalt.

Es scheint, dass in den fünfziger Jahren der Meister fand seine stilistische Dimension, als er bei der Entstehung der Stilllebenstudie die „Dilatation“ auf die Mandoline anwandte. Der Künstler war zutiefst beeindruckt von dem Ergebnis seiner über das Natürliche hinausgehenden Form, Dadurch wird eine tiefe Sinnlichkeit als Zeichen der Vitalität hervorgerufen, voller Freude und Wohlstand, zu dem dieser umfangreiche Ausdruck in den kommenden Jahren werden wird, Originalcharakter mit ganz eigenem Charakter, der weltweit anerkannt ist. So beschreibt er diesen bedeutenden Moment in einem Interview in 2007:

„Was passiert ist, war sehr einfach. Ich habe eine Mandoline mit einem sehr großzügigen Profil gezeichnet, wie ich es von den Italienern gelernt hatte. Dann, in dem Moment, als ich das Loch in die Mandoline schnitt, Ich habe es sehr klein gemacht. Plötzlich, Diese Mandoline wurde riesig, monumental aufgrund des Kontrasts zwischen dem kleinen Detail und der großzügigen Kontur. Ich habe gesehen, dass dort etwas passiert ist. Ich begann sofort, andere Themen zu visualisieren. Es dauerte eine lange Zeit - 10, 15 Jahre – bevor ich eine mehr oder weniger kohärente Vorstellung davon entwickelte, was ich tun wollte, Aber am Anfang war es diese kleine Skizze, inspiriert von meiner Liebe zur italienischen Kunst. (sehen WHO).

Anfang der siebziger Jahre die kommerzielle Listung beginnt[5] und Kritikerlob, nachdem er sich in Europa niedergelassen hatte[6]. Zu diesem Zeitpunkt begann der Maestro, Skulpturen zu schaffen, die dem voluminösen Stil folgten, der aus den Leinwänden hervorzugehen scheint, um die Dreidimensionalität zu erlangen, die in seinen über die ganze Welt verstreuten Werken bekannt ist[7].

Die Achtziger, bis in die ersten Jahre des neuen Jahrhunderts, Prägen Sie die künstlerische Forschung des Meisters mit Darstellungen und Szenen der erlebten Gewalt, dem Krieg gegen den Drogenhandel in Medellin und dem Bilderzyklus über die verschiedenen Bericht über die Folter von Gefangenen im Gefängnis Abu Ghraib durch Angehörige des US-Militärs und der CIA während des Irak-Krieges.

Unabhängig von öffentlicher und kommerzieller Anerkennung, Eine bestimmte Form der künstlerischen Kritik war ihm gegenüber nie positiv oder nachsichtig. Seit seinen ersten Ausstellungen in den Vereinigten Staaten haben ihn mehrere nordamerikanische Kritiker destruktiv beurteilt – im Gegensatz zu der Öffentlichkeit, die ihn seit seinen ersten Werken sehr schätzte – und den Künstler und seine Kunst als „nicht zur zeitgenössischen Entwicklung gehörend“ definiert; schlichte und karikaturistische menschliche Figuren, eingefügt in sonnige Kontexte des Familienlebens; Mangel an Ernsthaftigkeit gegenüber seinen Skulpturen, der ihn einer spezifischen kritischen Auseinandersetzung beraubte.. Aber um es zu definieren: „Ein einfaches kommerzielles Phänomen eines selbstreferenziellen Autors, der von der Realität abgekoppelt ist“ (sehen WHO).

Auch wenn dies wie eine subjektive oder voreingenommene Beurteilung erscheinen mag, Ich denke, ich kann sagen, dass der Meister einer der wenigen war, wenn nicht sogar der letzte große Künstler, der zu seinen Lebzeiten die Qualität und den Wert seiner Werke auf einem sehr hohen Niveau gehalten hat. Auch hierzu gibt es mehrere Zeugenaussagen der Familienangehörigen selbst, die sich an vergangene Zeiten erinnern, in Zeiten schwieriger und wirtschaftlicher Not, als er bereits für seine Fähigkeiten anerkannt war, aber noch keine wirtschaftlichen Erfolge erzielt hatte, aber voller so viel Fantasie, ging durch die Städte, in denen, wenn er ein Stück Holz oder Stahl fände, von dem er glaubte, dass es ihm nützlich sein würde, Er nahm es und stellte daraus Spielzeug für seine Kinder oder Gebrauchsgegenstände für das Haus her. Der Mangel an Geld war daher voller Fantasie und dem Wunsch, immer etwas Neues und Nützliches zu schaffen.

Der Maestro war ein großer Enthusiast vieler Sportarten, vor allem Fußball, eine der meistbesuchten Sportarten in seiner Heimat Kolumbien, vor allem in Medellín. Das große Interesse der Kolumbianer am Fußball, aus den ersten Lebensjahren, findet Bestätigung in der Arbeit Kinder spielen Fußball (Kinder spielen Fußball).

Reiten wird indirekt dargestellt auf einer Leinwand, die sich als das Werk herausstellte, das einen der traurigsten Momente im Leben des Künstlers markierte: Pedro zu Pferd. Vom Autor selbst wurde das Gemälde als das Gemälde beschrieben, das er mit den größten Schmerzen in seinem Leben gemalt hatte, und aus diesem Grund betrachtete er es als das Werk, das er am meisten liebte, und auch als sein Meisterwerk. Dieses Gemälde entstand aus der Trauer, die er über den Tod seines vierjährigen Sohnes bei einem Autounfall in Spanien in den siebziger Jahren empfand. Diese Leinwand befindet sich im Museum der Herkunftsregion des Autors und ist ein Porträt eines Kindes, das auf einem Spielzeugpferd reitet, wobei Blau vorherrscht, In den unteren Ecken sind die schmerzlichen Szenen des Vaters dargestellt, der seinen toten Sohn sah, und dann die Szene der trauernden Eltern im leeren Haus (sehen WHO).

Der Zyklus seiner Stierkampfwerke hauptsächlich in den 1980er Jahren hergestellt, es gilt als „Bekenntnis des Künstlers“, eine Reflexion über den Tod und seine Präsenz in einer Nostalgie- und Kampfübung an den dramatischen Szenen des Stierkampfs. Persönlich erinnere ich mich an meine Studienzeit an der Universität Salamanca, wenn ein Professor versucht, die Bedeutung und den universellen Wert des Stierkampfs zu argumentieren, erklärte das vor dem Wettrennen die Bullen lebten frei, stark und dienten wie Götter. Es wurden nur die stärksten und majestätischsten Exemplare ausgewählt, die es sich verdient hatten, in der Arena ihre ganze Rasse und Tapferkeit unter Beweis zu stellen., „auf Augenhöhe“ zwischen der hässlichen und reinen Kraft des Stiers und der Beherrschung des Tanzes und der Provokation des Stierkämpfers. Nach Meinung des Professors für klassische Kultur, Es ist eine moderne Version des Gladiatorenkampfes, oder noch mehr die moderne Beschwörung der Kämpfe des Menschen gegen die mythologischen und göttlichen Gestalten der Antike; wo das Können des Mannes, der kämpft und sogar sein Leben aufs Spiel setzt, ohne irgendetwas geschriebenes oder definiertes wie im Spiel, das nur von verwaltet wird, Schicksals.

Als Erklärung für den Stierkampf zum Thema der Bildkunst des Meisters gemacht, Die Traditionen seiner Heimat bleiben bestehen. In der gleichen Stadt Medellin gibt es eine sehr bekannte Arena im Andengebiet, und die Saisoneröffnung Rennen es markierte ein besonders bedeutsames Datum im gesellschaftlichen Leben der Bürger. Wenn Fußballspiele die Epizentren der Leidenschaft und des Volksinteresses in der Stadt wären, Die Tage in der Arena mit ihren Stierkampfshows waren der Dreh- und Angelpunkt für die obere Mittelschicht der Stadt.

Laut einigen Quellen, die dem Maestro nahestehen Es war die Vorliebe für den Stierkampf, die im jungen Fernando Botero die Liebe zur Malerei weckte. Bedeutsam, innerhalb dieses Bildzyklus, die Arbeit Das Göring, Öl auf Leinwand, 1998. Sinnbildliche Demonstration der Leidenschaft des Künstlers für Stiere und seiner Reflexion über den Tod, gekennzeichnet durch den befriedigenden Ausdruck auf dem Gesicht des Stierkämpfers, nachdem er aufgespießt wurde. Weitere relevante Werke sind sterbender Stier 1985, Tod von Ramauf Torres, 1986.

Der Werkzyklus über Gewalt in Kolumbien hat in südamerikanischen akademischen und kunstkritischen Kreisen viele Fragen hinsichtlich der Beziehung zwischen Realität und Kunst aufgeworfen, vor allem, wie sie sich ernähren, Kunst und Gewalt stimmen überein oder verneinen einander. Für einige behält die Verbindung zwischen Kunst und Realität in diesen Werken nur auf sozialer Ebene eine mögliche Bedeutung, da die Darstellung des Künstlers eine „Objektivierung“ der Erfahrung darstellt, um sie denjenigen zugänglich zu machen, die sie betrachten. Infolge, die Kreationen des Künstlers, sie sind eine rationale Notwendigkeit, kein einfacher Wunsch, noch eine Laune oder ein psychologisches Bedürfnis. Wer diese Werke betrachtet, wird ermutigt, seine Aufmerksamkeit auf den konkreten Zustand der gesellschaftlichen Realität oder des Einzelnen zu richten, ohne ein ideologisches oder politisches System zu fördern oder zu verherrlichen, das letztendlich die Autonomie der Kunst gefährden würde, es zu einem politischen Instrument oder einem Mittel zur Abschreckung und Ablenkung für diejenigen machen, die die künstlerische Arbeit beobachten.

Andere betrachten diese Verbindung als ein Ganzes die sowohl dem Künstler als auch den Betrachtern seiner Werke die Möglichkeit gibt, eine Position und eine konkrete Wahl zu einem bestimmten historischen Moment des Lebens und der Realität zu erfassen. So erschaffen, nicht das willkürliche kreative Gefühl der Inspiration und/oder Kontemplation; sondern als Bedingung der Möglichkeit sowohl für künstlerisches Schaffen als auch für die Kultur und das subjektive Erleben der Betrachtenden. Die Bedingung der Möglichkeit und/oder Wahl wird, also, ein Kompromiss individueller Produktion, der Kunstwerken als Bestrebungen Sinn und Zweck verleiht, Motivationen für die Gemeinschaft und für die Einzigartigkeit sowohl des Künstlers als auch des Besuchers.

Andere Meinungen haben diesen Bildzyklus katalogisiert als hedonistischer Akt eines selbstreferenziellen Künstlers, der in einem pseudoexpressionistischen „Limbo“ des gescheiterten Realismus lebt, der durch die Betonung bestimmter Aspekte durch groteske Figuren verstärkt wird, die die Schwere des in Kolumbien erlebten bewaffneten Konflikts einer Trivialisierung nahe bringen zur Karikatur. Der Maestro selbst musste mehrmals zurückkehren, um über seinen Bildzyklus zu sprechen, in einem von ihnen sagte er:

„Ich habe mich immer geäußert, und ich habe es bis vor kurzem getan: Kunst soll Freude bereiten und das Publikum nicht verärgern oder beunruhigen. Wer hat schon einmal ein trauriges impressionistisches Gemälde gesehen?? als du einen traurigen Tizian sahst? ein trauriger Velazquez? Große Malerei strahlt eine positive Lebenseinstellung aus. Ich bin gegen Kunst, die sich als Kampfwaffe in einen Zeitzeugen verwandelt. Aber angesichts des Dramas, das Kolumbien erlebte, war der Moment gekommen, in dem ich die moralische Verpflichtung verspürte, mein Zeugnis über diesen irrationalen Moment in der Geschichte meines Landes abzugeben. Ich behaupte nicht, dass diese Bilder irgendetwas reparieren können, Tatsächlich bin ich davon überzeugt, dass sie nichts lösen werden. Mir ist bewusst, dass Kunst nichts verändert, Verantwortlich für die Veränderungen sind ausschließlich Politiker. Ich möchte einfach ein Zeugnis als Künstler hinterlassen, der sein Heimatland und seine Zeit gelebt und gespürt hat. Es wäre wie wenn man sagt: Schauen Sie sich den Wahnsinn an, in dem wir leben, Hoffen wir, dass es nie wieder passiert. Ich mache keine „engagierte Kunst“, diese Kunst, die danach strebt, Dinge zu verändern, Ich glaube nicht an diese Art von Kunst. (sehen WHO)

Der Werkzyklus zur Frauenwelt des Maestro Botero Die Vielzahl der Werke zeigt die Aufmerksamkeit und das Interesse der Künstlerin für Frauen, ein Thema, das er selbst als eines der Hauptthemen der universellen Kunst betrachtet. Die Entscheidung, voluminöse Frauen darzustellen, widerspricht dem den Frauen auferlegten Schlankheitskanon, Es handelt sich nicht so sehr um eine Wahl des Protests gegen die Stereotypen, die als Modell der Schönheit eingeimpft werden, sondern als Stil und persönliche Überzeugung als Maler und Bildhauer, der die Formen voluminöser Motive in eine Quelle der Freude verwandelt. Und Kunst muss immer Freude erzeugen und vermitteln. Die Voluminösität, laut Fernando Botero, wurde im Mittelalter in der Flachmalerei geboren, Aber es waren italienische Künstler, die den Band ab der Renaissance entwickelten. Die Fülle ist fast eine „Art Wunder“, die immer noch so bleibt, wie sie ist. Heute ist dieser Band – wiederholt der Maestro – Teil der Geschichte und der Wahrnehmung von Kunst geworden. Aber es war wie ein „Blitz“, den man immer noch sehen und dessen Geräusch man immer noch hören kann; Wunder von dem, auch heute noch, wir waren erstaunt. Zu den bedeutendsten Werken dieser Thematik zählen zahlreiche Gemälde erotischer Natur wie z Frau mit Lippenstift (Frau mit Lippenstift) Aquarell und Tusche auf Papier, 2002, Bad, Bleistiftarbeit auf Papier, 2002.

Bisher gibt es keine Gesamtzahl der Werke des Künstlers, noch nicht einmal einen begründeten und aktualisierten Katalog – auch angesichts der zahlreichen Werkspenden, die der Maestro in den letzten Jahren getätigt hat, darunter viele Werke und die meisten seiner repräsentativsten Skulpturen -, Zyklen wie der der Gewalt gibt es immer noch, sondern auch eine Reihe von Gemälden aus seiner Jugendzeit - man muss bedenken, dass der Künstler seit seinem Lebensjahr fast täglich malte 14 Jahre bis zu seinem Kompliment 90 Jahre; Werke, die Privatbesitz der Familie sind und nicht katalogisiert wurden. Auf die gleiche Weise, Was fehlt, ist ein detaillierter Überblick über die Welt der „boteristischen“ Kunst; der groben Schätzung zufolge könnten es mehr sein 2000 arbeitet zwischen Leinwänden, Skizzen, Karikaturen und Illustrationen für Zeitungen.

Zu seinen Ausstellungen in Italien müssen berücksichtigt werden: Roma, Palazzo Venezia, 2005, wo er der Öffentlichkeit seinen Bilderzyklus mit fünfzig Leinwänden vorstellte, die von den Protestschreien voller beunruhigender Kraft gegen das Unrecht zeugten, das den Gefangenen im Abu Ghraib-Gefängnis im Irak zugefügt wurde. Arbeiten, bei denen man auf die sorgfältige Verwendung der Perspektive achten muss, die sich je nach Positionierung der Gefängnisgitter ändert: Der Betrachter wird sowohl außerhalb als auch innerhalb der Zellen projiziert. All dies stärkt das Identifikationsgefühl der Opfer, fast so, als gäbe es einen Positionswechsel zwischen denen, die beobachten, und denen, die leiden, funktional, um das Leid anderer zu spüren. Die Bilder wirken kompromittierender, zutiefst beunruhigend und beunruhigend, ebenso wie die begangenen Verbrechen. Die künstlerische Dringlichkeit, die empfundene Wut und Empörung auszudrücken, bedeutete, dass sich der kolumbianische Künstler über ein Jahr lang dem Projekt widmete und das am Ende, nach dem, was er selbst gesagt hat, es führte in ihm zu einem Gefühl der Leere, in dem er nichts mehr zu sagen hatte. Folgend Palermo, Palast der Normannen, 2015, gilt als das künstlerische Ereignis des Jahres in der Stadt, und in dem Maestro Botero selbst erklärte, dass er sich bei der Erschaffung von Judas von einem Mafioso inspirieren ließ, wie in diesem wunderschönen Zeugnis von ihm zum Ausdruck kommt:

„Ich war fasziniert von der italienischen Kunst und der Bedeutung, die sie Formen und Volumen beimisst. Ich wurde von der Sinnlichkeit der italienischen Malerei verführt, durch seine Rundheit. Jetzt werden dünnere Formen bevorzugt, dünne Frauen, aber zu Beginn des Jahrhunderts wurden rundere Exemplare bevorzugt. Eine Sensibilität, die sich verändert“ (sehen WHO).

Im 2016 machte eine Wanderausstellung mit den bedeutendsten Stationen in Palermo und Rom mit dem Titel: Kreuzweg. Christi Leidenschaft in dem er sich mit einem der meistdiskutierten Themen der westlichen Sakralmalerei von der Renaissance bis zur Gegenwart befasste: das Leiden und Sterben Jesu Christi. Zyklus üppiger Farben und Formen durch abgerundete und kalte Motive. Wiederkehrendes heiliges Thema, auch wenn der Lehrer nicht als religiöse Person gilt, Er erkannte jedoch, dass das religiöse Thema an sich eine schöne und lange künstlerische Tradition hatte. Die Kreuzweg, Herzstück der Ausstellung, Es ist die Neuinterpretation des Künstlers, in der er lateinamerikanische Traditionen und Realitäten mit dem biblischen Thema vermischt, Dies zeigt die Bedeutung des Dramas der letzten Tage Jesu, das die gesamte Menschheit für immer prägte. In diesen Ölen erscheint Jesus sehr menschlich, ohne Halos, Interpret des Leidens der Welt. Die Forschung des Masters befasst sich mit der Kombination historischer Wahrheiten, gemischt mit einigen Wahrheiten, wie zum Beispiel die Verwendung zeitgenössischer Charaktere, die mit dem Bild von Christus verbunden sind, der mit Boteros eigenem Stil bezeugt, dass er ein Gläubiger, aber kein Praktizierender ist, zutiefst respektvoll gegenüber der Sphäre des Heiligen, ohne in Satire zu verfallen. Das eingehende Studium des dramatischen Themas durch den Meister – ein Thema, das bis zum 16. Jahrhundert als Lieblingsthema der Kunst galt – das im 20. Jahrhundert entsprechend der zeitgenössischen Sensibilität eine neue Vision haben und bieten konnte (sehen WHO).

Im 2017, im Palazzo Forti in Verona, Die monografische Ausstellung wurde als Hommage an die fünfzig Jahre seiner Karriere abgehalten 50 Meisterwerke, die die traumhafte Dimension zusammenfassen, fantastisch und märchenhaft mit einem Anklang an Nostalgie unter Tieren, Männer; Nachstellung seines Heimatkontinents Lateinamerika. Es folgte eine Ausstellung in Bologna, im Palazzo Pallavicini, im Herbst 2019, mit 50 Werke, darunter Mixed-Media-Zeichnungen und Farbaquarelle zum Thema Stierkampf und Zirkus (sehen WHO)

Es wird im Gedächtnis und in der Kunstgeschichte bleiben die Ausstellung Bootsmann nach Parma mit 47 Gipsabgüsse, Bronzen und mehrere Gemälde im Gouverneurspalast in 2013. Während, Die Eröffnungsparty erklärte der Meister:

«Kunst muss dem Publikum Freude bereiten, kein Leid verursachen oder stören. Skulpturen und Gemälde müssen klar sprechen, es darf keine Hindernisse für das Verständnis geben. (sehen WHO)

Es gibt unzählige Skulpturen des Meisters Fernando Botero auf der ganzen Welt, aber für die Liebe, die die Väter von Die Insel Patmos gegenüber Katzen – treue Begleiter harter Arbeit und langer Arbeitstage bei der Erstellung ihrer Texte – müssen wir erwähnen Boteros Katze, Skulptur von 7 Meter breit pro 2 Meter hoch und 2 dick mit langem Schwanz und komischer Schnauze, Heute ist es ein markantes Symbol des Viertels Raval in Barcelona. Mammutkatze, die dazwischen liegt 1987, Jahr, in dem die Gemeinde Barcelona es kaufte, und das 2003, mehr als viermal den Standort innerhalb der Stadt gewechselt – fast so, als ob sie die Katzen darstellen würden, die ständig umkreisen und sich bewegen, bis sie den perfekten Aufenthaltsort gefunden haben, So wie unser Kater Bruno, der auf meinen Computertisch kletterte, während ich diese Zeilen über Boteros Katze schrieb, drehte sich kraftvoll vor mir, Manchmal verhindert er die Sicht auf den Bildschirm oder er sitzt auf der Tastatur und beherrscht den Raum. In der Tat, wie es mit passiert ist Boteros Katze, Er muss verschiedene Sitze und Körperpositionen ausprobieren, bevor er den seiner Meinung nach bequemsten Platz auswählt, feierlicher und sichtbarer (sehen WHO).

Vittorio Sgarbi in einem Interview am Todestag des Maestros, In Bezug auf die Figur von Fernando Botero definierte er ihn als Künstler des Lebens. Ein Maler, der in jedem seiner Werke die Szene einer Komödie darstellt, in der sowohl der Kontext des Werks als auch das Thema der Leinwand selbst ein Lied vom Leben in ihrem täglichen Leben singen. Diese Freude und Fröhlichkeit Boteros war in gewisser Weise revolutionär gegen den roten Faden der Kunst des 20. Jahrhunderts, insbesondere die der Avantgarden, die die Krise sicher und meisterhaft zum Ausdruck gebracht haben, die Tragödie und das Drama von Mensch und Zivilisation nach zwei Kriegen, mit der Psychoanalyse und dem sozialen Kampf für die Freiheiten und Rechte der Geschlechter. Einerseits ist es sehr einfach, eine Tragödie zu malen, vor allem, wenn Sie Situationen ständiger Angst erleben, während es viel schwieriger ist, Geschichten zu erzählen, Märchen und Magie mit den Farben des Lebens; Dadurch ergibt sich auch die Wahl zwischen fetten oder voluminösen Modellen. Fett ruft Glück hervor und repräsentiert es, während Dünnheit Traurigkeit darstellt, das Drama und der Schmerz. Fernando Botero ist ein Künstler, der im Umgang mit der Technik der Tradition treu bleibt, von den Farben und auch von der Wahl des Themas wie das Feiern und Unterstreichen der Farben seiner magisch-fantastischen Weihnachtsregion.

Zu den Worten von Fernando Botero in Parma In dem 2013, Vittorio Sgarbi bekräftigte, dass dies die Gründe seien, warum seine Kunst universell geworden sei, Seine Einfachheit ermöglichte es ihm, jede Art von Publikum zu erreichen und willkommen zu heißen und alle historischen Epochen und Formen der Kunstkritik zu durchqueren. Die Universalität des Meisters Fernando Botero hat nicht nur die Grenzen speziell künstlerischer oder akademischer Umgebungen überschritten, aber auch soziale. Der Künstler selbst war sich dieser Universalität bewusst, die er mit seinen Worten in einem seiner Interviews zum Ausdruck brachte, wenn er die Anekdote einer Reise in den kolumbianischen Amazonas erzählt, in der Region Puerto Nariño liegen, In einem kleinen, ärmlichen Haus fand er eine Reproduktion eines seiner Werke, Dieses Ding versetzt ihn in Verzückung.

Mit Fernando Botero stirbt er einer der letzten Großen in der Geschichte der Malerei des 20. Jahrhunderts.

 

von der Insel Patmos, 27 September 2023

 

HINWEIS

[1] Die letzte bekannte Spende ist mehr als das 700 arbeitet an den Museen und Plätzen, die Kolumbien verschönern. Im Laufe seines Lebens förderte Fernando Botero Stipendien für Talente, die ihr Studium in den Bereichen Musik sowohl in Kolumbien als auch im Ausland fortsetzen konnten, die bildende Kunst, Briefe und Literatur. Ana Maria Escallón, Autor des Buches Botero: neue Arbeiten auf Leinwand und die sich an der Unterstützung einer der größten Spenden beteiligten, die Teil des nationalen Erbes wurden, erklärt diese Schenkung als einen Akt der Nächstenliebe des Künstlers, der nichts bei sich behalten wollte und aus diesem Grund alles, was er hatte, gespendet hatte, um Kolumbien eine internationale Sicht auf die Kunst zu geben (sehen WHO).

[2] Seine Verbundenheit mit Italien, das er so sehr liebte, dass er es als seine zweite Heimat betrachtete, und wie ich oben schrieb, wurde mit der Schenkung des Werks an die Gemeinde Pietrasanta ein geeigneter Ort geschaffen, um Zeit voller intimer und liebevoller Begegnungen mit seinen Kindern und Enkeln zu verbringen Der Krieger, Bronzeakt von über vier Metern befindet sich auf der Piazza Matteotti von 1992 (sehen WHO).

[3] «Ich bin jemand, der gegen die moderne Malerei protestiert, aber ich nutze auf jeden Fall das, was sich verbirgt oder dahinter steckt: Das ironische Spiel und seine Bedeutung wird mittlerweile von allen erkannt. Ich male figurativ und realistisch, aber mit einem strengen Sinn für die Treue zur Natur; Ich werde niemals einen Pinselstrich geben, der nicht etwas Reales beschreibt: ein Mund, der Hügel, ein Baum. Aber was ich beschreibe, ist die von mir vorgefundene Realität. Man könnte es so formulieren: Ich mache eine realistische Beschreibung einer unrealistischen Realität. (sehen WHO).

[4] L'argentina Maria Traba (1930-1983) Schriftsteller, Als Kunstkritikerin und wichtige Figur der Avantgarde der siebziger Jahre war sie eine entscheidende Gelehrte für die Anerkennung und Glaubwürdigkeit kolumbianischer und südamerikanischer Künstler des letzten Jahrhunderts. Die theoretische Auseinandersetzung mit den Werken Fernando Boteros war die erste künstlerisch-kritische Auseinandersetzung, die das Werk des Künstlers unterstützte und als Visitenkarte für die Präsentation auf nationalen und internationalen Ausstellungen diente. Der Intellektuelle bezeichnete Fernando Boteros Kunst aufgrund seiner Konzeption des Formenblocks als „Renaissance des Steins“.: „Sie drängten Botero zu Monstern, die eine Herausforderung für Schönheit und Logik darstellten.“, folglich die öffentliche Meinung, die diese beiden „theologischen“ Tugenden der Kunst fordert (Logik und Schönheit) So unbedeutend die Zahlen in bestimmten Fällen auch sein mögen (werden von der Öffentlichkeit benötigt) einem Künstler und seiner Kunst Anerkennung erteilen, Aber die Kunst, die in Frage stellt, ob sie wahr ist, kann bis zur Grenze des Grauens einschlagen, wird aber niemals unbemerkt bleiben. Niemand kann den Skandal übersehen, der durch die enormen Figuren verursacht wurde, ebenso wie die Verwirrung, die durch die inkongruenten Handlungen der monströsen Figuren hervorgerufen wurde, umgeben von einem unschuldigen Gigantismus in verdächtiger Unbeweglichkeit oder einer gemeinschaftlichen Dynamik, die Boteros Kunst dazu brachte, sich in der Welt durchzusetzen kulturelle Umgebung " (sehen WHO) [Kostenlose Übersetzung durch den Autor dieses Artikels mit der aktualisierten kritischen Meinung der Kunstkritiker, die dabei sind 1961 er formulierte dieses Urteil nur über die Bildwerke des Künstlers und ignorierte alle späteren bildhauerischen Arbeiten, die der Meister noch nicht durchgeführt hatte]

[5] Mehrmals fragten sie den Maestro nach dem Grund für den sehr hohen Preis seiner Werke, Er selbst erklärte, dass er schon immer etwas Lokales und Spezifisches machen wollte, aber mit Ehrlichkeit und so, Er erzeugte nicht nur Empathie bei der breiten Öffentlichkeit, sondern auch bei Sammlern oder Kunstliebhabern, die am Ende vor allem für seine Ehrlichkeit großzügig bezahlten.

[6] Für die Anthropologin Maria Fernanda Escallón begann die plastische Kunst von Fernando Botero Gestalt anzunehmen 1975 als er sich in Pietrasanta niederließ, wo er den Übergang von der Malerei zur Bildhauerei vollzog. Als ob das gesamte Universum der monumentalen Figuren, die sich in den Gemälden entwickelten, ein Echo in der bildhauerischen Dreidimensionalität finden würde, die durch den imaginären Reichtum des Gemäldes, das die Ideen lieferte, befeuert wurde, Lösungen und Möglichkeiten. Fernando Boteros Skulptur zerlegt die Bildstruktur, um die Form in der Einheit der Skulptur zu synthetisieren (sehen WHO)

[7] Die Werke des Meisters können in diese Gruppen eingeteilt werden: religiös mit Madonnen, heilige Teufel, Geistliche, Nonnen und Nonnen; das der großen Meister, in dem er die Hauptwerke von Jan Van Eyck erneut aufgreift, Masaccio, Paolo Uccello, Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Lucas Cranach, Albrecht Dürer, Caravaggio, Der Grego, Velazquez, etc. ..; das der Still- und Lebensleben mit Tieren und insbesondere der voluminösen Skulpturen der letzten Jahrzehnte; das der Erotik mit Aktdarstellungen und sexuellen Praktiken, insbesondere Bordellszenen; das der Politiker, Primadonnen und Soldaten; und schließlich solche, die von Menschen im Allgemeinen gemacht wurden oder die man sich als Familienmitglieder vorstellte, Selbstporträts, Kunstverkäufer und Sammler, Toreri.

.

______________________

Sehr geehrte Leserinnen und Leser,
Dieses Magazin erfordert Verwaltungskosten, die wir immer nur mit Ihren kostenlosen Angeboten hatten. Wer unsere apostolische Arbeit unterstützen möchte, kann uns seinen Beitrag bequem und sicher zukommen lassen PayPal indem Sie unten klicken:

Oder wenn Sie bevorzugen, können Sie unsere verwenden
Bankkonto im Namen:
Editions Die Insel Patmos

n Agentur. 59 Aus Rom
IBAN:
IT74R05034032590000000301118
Für internationale Banküberweisungen:
Kodex SWIFT:
BAPPIT21D21

Bei Banküberweisung senden Sie bitte eine E-Mail an die Redaktion, Die Bank gibt Ihre E-Mail-Adresse nicht an und wir können Ihnen keine Dankesnachricht senden:
isoladipatmos@gmail.com

Wir danken Ihnen für die Unterstützung, die Sie unserem apostolischen Dienst anbieten möchten.

Die Väter der Insel Patmos

.

.

.