Fernando Botero morreu, intensificador das cores fortes da vida e antagonista da anorexia artística contemporânea

/dentro /de
Jorge Facio Lince
Últimos posts de Jorge Facio Lince (ver tudo)

FERNANDO BOTERO ESTÁ MORTO, MELHORADOR DAS CORES GORDURAS DA VIDA E ANTAGONISTA DA ANOREXIA ARTÍSTICA CONTEMPORÂNEA

A inspiração, talento criativo, gênio é inútil, se esta grandeza nem sempre é acompanhada de muito trabalho e sacrifício. Junto com essa dedicação ao trabalho sempre houve a escolha da vida: «Fazer o que gostamos, nunca pare de fazer o que você gosta e o que te faz sentir bem".

- Realidade -

Autor:
Jorge Facio Lince
Presidente da Editions A ilha de Patmos

.

artigo em formato de impressão PDF

 

.

Eu cresci lá'sombra da primeira escultura do mestre Fernando Botero, torso de mulher, conhecido por todos como a gorda o a GOrda de Berrio em referência à praça Parque de Berrío onde ficava a estátua antes de sua mudança para o parque temático criado em homenagem ao artista. Esta estátua gigantesco e volumoso em que foi construído 1987 e medida de 2 metros e 48 centímetros de altura, um metro e 76 em largura, 1 metrô e 7 centímetros de profundidade.

A estátua foi instalada em frente à sede regional do Banco do Estado e em frente a uma praça que era um dos principais pontos de ônibus e táxi, além de ser um ponto de encontro. O formato da escultura sempre me deixou maravilhado e pensando: «As mulheres não são assim, qual mulher colombiana é gorda assim?!». No entanto, o meu olhar permaneceu sempre fixo naquela obra iluminada num jogo de luzes pelo sol quando o sol nascia ou se punha..

Todos nascido nas últimas décadas do século passado ficaram maravilhados ao observar esta escultura enquanto acontecia a transformação da cidade com a construção da primeira rede de metrô da Colômbia na cidade de Medellín, que marcou o salto da metrópole andina de uma cidade agrícola semi-industrial para o novo milénio que a projectaria para o turismo, incluindo o turismo artístico, obrigado principalmente ao maestro Fernando Botero. Em algumas estações de metrô existem obras de arte inspiradas nele, em outros você pode sentir seu espírito e estilo e em um particularmente, aquele perto da praça onde está o dele Gorda hoje surge uma coisa linda parque de arte com várias estátuas boterianas volumosas.

Naqueles anos não haviaEra um espaço expositivo destinado a este grande intérprete do nosso tempo, na verdade, não havia espaço real para a arte. E para mim, como para muitos dos meus outros compatriotas, a primeira referência no mundo das artes plásticas foi o mestre Fernando Botero, cuja criatividade artística conseguimos captar mesmo de passagem enquanto esperávamos por algum serviço de transporte ou por alguma pessoa. Hoje, as novas gerações, não só podem contemplar as inúmeras obras espalhadas pela cidade, porque graças ao seu mecenato - que o tornou o maior mecenas contemporâneo que a cidade de Medellín e a própria Colômbia tiveram - favoreceu a criação dos vários espaços expositivos com as suas obras e as de mestres europeus, anteriormente excluídos se não fossem mencionados em livros de história e enciclopédias [1].

A figura de Fernando Botero sempre esteve fora do ambiente artístico para mim, modelo e memória de uma figura viril com quem cresci, assim como meus avós e os homens da minha terra. Sempre interessado no bem da família, em união e harmonia tanto nos momentos bonitos como nos difíceis e dolorosos. Uma unidade familiar também envolvida nos interesses e atividades de pater-famílias, como os filhos do Mestre disseram em diversas ocasiões, quando na memória do pai explicaram que na criação de suas obras ele lhes pedia que o ajudassem a pintar a tela. Alguns detalhes foram então usados ​​por ele como decoração nas margens inferiores de suas obras., os empregos de outras crianças foram cancelados, mas neles permaneceu a memória e o ensinamento de ter ajudado o pai participando de seus esforços artísticos.

Esse tipo de homem eles tentaram nutrir o hábito, hoje infelizmente perdido ou esquecido, reunir a família para passar um tempo em um lugar específico. Claro que, no caso do maestro, não podemos deixar de admirar o seu elevado gosto por ter escolhido a bela cidade toscana de Pietrasanta, na província de Lucca.[2]. como o ambiente em que sempre que podia fazia com que toda a família viesse viver dias com momentos cheios de carinho para recordar por toda a vida. Antes mesmo de desenvolver seu estilo e suas obras, um dos principais ensinamentos que ele nunca deixou de transmitir, especialmente para sua família e seus poucos amigos - Botero era uma pessoa muito reservada - era seu trabalho: "há apenas um 5% inspirador e 95% de suor", porque na opinião dele todo tipo de trabalho tinha que ser tão bem feito e cansativo que fazia você suar.

A inspiração, talento criativo, o gênio eles não servem para nada, se esta grandeza nem sempre é acompanhada de muito trabalho e sacrifício. Junto com essa dedicação ao trabalho sempre houve a escolha da vida: «Fazer o que gostamos, nunca pare de fazer o que você gosta e o que te faz sentir bem". Num dos últimos documentários realizados em sua homenagem, a professora, no final do vídeo, ele parece sentado em uma cadeira em frente a uma casa pequena e simples típica da zona rural da cidade. Em declarações ao entrevistador queixa-se da tristeza que sentiu por saber que iria morrer em breve e que ainda tinha muitas coisas para fazer, e isso o fez se sentir feliz. O trabalho, aquele trabalho que ele escolheu seguir durante toda a vida, isso lhe deu prazer, porque ele escolheu fazer isso.

O estilo característico do artista chamou “manteiga", não é feito de figuras gordas, mas sim “volumosas” retratadas em diferentes cenários e situações, seguindo a tradição europeia que ganhou vida na Renascença com Michelangelo, Mantegna, Rafael, Piero della Francesca[3]. Acompanhado em sua arte escultórica pela inspiração do monumentalismo sereno de Paolo Uccello. Um estilo figurativo combinado com uma estética colorida e adorável que se inspirou no estilo dramático dos primeiros anos muralistas Diego Rivera e José Clemente Orozco, posteriormente aprofundou-se durante sua estada na Europa enquanto estudava nas Academias de Belas Artes de San Fernando, na Espanha, com estudos sobre as obras de Goya e Velázquez, e na Accademia Fiorentina di San Marco com o estudo das obras de Ticiano, Giotto e Botticelli[4]. O Mestre projecta-se assim na década de 1980 com o desenvolvimento do volume ampliado da forma que, apesar das dimensões “exageradas”, não perturba a proporção da figura em todas as suas características., sem abrir mão das influências que são características de sua pátria colombiana, cores vibrantes, animado e brilhante, inspirado em sua própria cidade natal, Medellín, conhecido por urbanizações ricas em cromatismos exagerados e marcados que lembram aquele estilo ingênuo capaz de transmitir as notas despreocupadas de uma vida pacífica ao ar livre, até os dolorosos “acentos” da violência vista e vivida.

Parece que na década de cinquenta o Mestre encontrou sua dimensão estilística quando na criação do estudo de natureza morta aplicou a “dilatação” ao bandolim. O artista ficou visceralmente impressionado com o resultado de sua forma dilatada além do natural, gerando assim a evocação de uma sensualidade profunda como sinal de vitalidade, de alegria e prosperidade que esta expressão volumosa se tornará nos próximos anos, personagem original totalmente reconhecido mundialmente. É assim que ele descreve esse momento significativo em entrevista em 2007:

«O que aconteceu foi muito simples. Eu estava desenhando um bandolim de perfil muito generoso como aprendi com os italianos. Então, no momento em que fiz o buraco no bandolim, Eu fiz bem pequeno. De repente, esse bandolim ficou enorme, monumental pelo contraste entre o pequeno detalhe e o contorno generoso. Eu vi que algo aconteceu lá. Imediatamente comecei a tentar visualizar outros assuntos. Levou um longo tempo - 10, 15 anos – antes de desenvolver uma visão mais ou menos coerente do que queria fazer, mas no início era aquele pequeno esboço inspirado no meu amor pela arte italiana" (veja WHO).

No início dos anos setenta sua listagem comercial começa[5] e aclamação da crítica, depois de ter fixado residência na Europa[6]. Foi então que o Maestro começou a criar esculturas seguindo o estilo volumoso que parece emergir das telas para adquirir a tridimensionalidade conhecida em suas obras espalhadas pelo mundo.[7].

Os anos oitenta, até os primeiros anos do novo século, caracterizar a pesquisa artística do mestrado com representações e cenas de violência vivenciadas com a guerra ao narcotráfico em Medellín e o ciclo pictórico sobre os diferentes relatório sobre a tortura de prisioneiros na prisão de Abu Ghraib por membros das forças armadas dos Estados Unidos e da CIA durante a guerra do Iraque.

Independentemente do reconhecimento público e comercial, uma certa forma de crítica artística nunca foi positiva ou tolerante com ele. Desde as suas primeiras exposições nos Estados Unidos, vários críticos norte-americanos têm-no julgado destrutivo - ao contrário do público que o aprecia profundamente desde os seus primeiros trabalhos - definindo o artista e a sua arte como «não pertencentes à evolução contemporânea».; figuras humanas simplistas e caricaturais inseridas em contextos ensolarados da vida familiar; falta de seriedade com suas esculturas que o privou de um exame crítico específico". Mas para defini-lo: «Um simples fenómeno comercial de um autor autorreferencial e desligado da realidade» (veja WHO).

Embora isso possa parecer um julgamento subjetivo ou tendencioso, Acho que posso dizer que o Mestre foi um dos poucos, se não o último grande artista que durante a sua vida manteve a qualidade e o valor das suas obras a um nível muito elevado. Também a este respeito são vários os testemunhos contados pelos próprios familiares que se lembram de tempos passados, durante períodos de dificuldade e dificuldades econômicas, quando ele já era reconhecido por sua habilidade, mas ainda não havia obtido nenhum resultado econômico, mas cheio de tanta imaginação, andei pelas cidades onde, se ele encontrasse algum pedaço de madeira ou aço que achasse que seria útil para ele, ele pegava e usava para criar brinquedos para seus filhos ou utensílios para a casa. A falta de dinheiro abundava, portanto, na imaginação e na vontade de criar sempre algo novo e útil.

O Maestro era um grande entusiasta de muitos esportes, especialmente futebol, um dos esportes mais seguidos em sua Colômbia natal, especialmente em Medellín. Este grande interesse pelo futebol entre os colombianos, desde os primeiros anos de vida, encontra confirmação no trabalho Crianças jogando futebol (crianças jogando futebol).

A equitação é representada indiretamente numa tela que acabou por ser a obra que marcou um dos momentos mais tristes da vida do artista: Pedro a cavalo. Pintura descrita pelo próprio Autor como a pintura que pintou com maior dor na sua vida e por isso a considerou a obra que mais amou e também a sua obra-prima. Esta tela nasceu do luto que teve pela morte do filho de quatro anos num acidente de carro na Espanha na década de setenta.. Esta tela está localizada no museu da região de origem do Autor e é um retrato onde predomina o azul de uma criança montando um cavalo de brinquedo, nos cantos inferiores são retratadas as cenas dolorosas do pai que viu seu filho morto e em seguida a cena dos pais enlutados dentro da casa vazia (veja WHO).

O ciclo de suas obras tauromáquicas feito principalmente na década de 1980, é considerada a "confissão do artista", uma reflexão sobre a morte e a sua presença num exercício de nostalgia e luta nas cenas dramáticas das touradas. Pessoalmente, lembro-me do período de estudos na Universidade de Salamanca, quando um professor tenta argumentar o significado e o valor universal das touradas, explicou que antes do corrida os touros viviam livres, forte e servido como deuses. Foram escolhidos apenas os exemplares mais fortes e majestosos que ganharam a oportunidade de demonstrar toda a sua raça e brio na Arena., “em igualdade de condições” entre o poder feio e puro do touro contra o domínio da dança e provocação do toureiro. Na opinião do professor de cultura clássica, é uma versão moderna da luta de gladiadores, ou ainda mais a evocação moderna das lutas do homem contra as figuras mitológicas e divinas da antiguidade; onde a habilidade do homem que luta e até coloca a vida em risco, sem nada escrito ou definido como no jogo gerenciado apenas por, Do destino.

Como explicação das touradas tornou o tema da arte pictórica do Mestre, as tradições de sua terra natal permanecem. Na mesma cidade de Medellín existe uma Arena muito renomada na região andina, e a abertura da temporada corridas marcou uma data particularmente significativa na vida social dos cidadãos. Se os jogos de futebol fossem os epicentros das paixões e dos interesses populares na cidade, os dias na arena com seus espetáculos tauromáquicos foram o fulcro da classe média alta da cidade.

Segundo algumas fontes próximas ao mestre foi o gosto pelas touradas que gerou no jovem Fernando Botero o amor pela pintura. Significativa, dentro deste ciclo pictórico, o trabalho A chifrada, óleo sobre tela, 1998. Demonstração emblemática da paixão do artista pelos touros e da sua reflexão sobre a morte caracterizada pela expressão satisfatória do rosto do toureiro após ser chifrado. Outros trabalhos relevantes são touro moribundo 1985, Morte de Carneirodas Torres, 1986.

O ciclo de trabalhos sobre violência na Colômbia tem levantado muitas questões nos círculos acadêmicos e críticos de arte sul-americanos sobre a relação entre realidade e arte, especialmente como eles se alimentam, arte e violência se alinham ou se negam. Para alguns, a ligação entre arte e realidade nestas obras mantém um significado possível apenas a nível social, pois a representação do artista constitui uma “objectificação” da experiência para torná-la acessível a quem a contempla.. Como resultado, as criações do artista, eles são uma necessidade racional, não é um simples desejo, nem um capricho ou uma necessidade psicológica. Aqueles que olham para essas obras são encorajados a concentrar a sua atenção no estado concreto da realidade social ou do indivíduo., sem promover ou glorificar um sistema ideológico ou político que acabaria por colocar em risco a própria autonomia da arte, tornando-o uma ferramenta política ou um meio de dissuasão e distração para quem observa o trabalho artístico.

Outros consideram esta conexão como um todo único que permite ao artista e a quem observa as suas obras a possibilidade de apreender uma posição e uma escolha concreta de um determinado momento histórico da vida e da realidade. Criando assim, não o sentido criativo arbitrário de inspiração e/ou contemplação; mas como condição de possibilidade tanto para a criatividade artística quanto para a cultura e experiência subjetiva de quem contempla. A condição de possibilidade e/ou escolha torna-se, assim, um compromisso de produção individual que oferece significado e propósito às obras de arte como aspirações, motivações para a comunidade e para a singularidade do artista e do visitante.

Outras opiniões catalogaram este ciclo pictórico como um ato hedonista de um artista autorreferencial que vive em um "limbo" pseudo-expressionista de realismo fracassado intensificado pela acentuação de certos aspectos particulares através de figuras grotescas que levam a gravidade do conflito armado vivido na Colômbia a uma banalização muito próxima caricaturar. O próprio Maestro teve que voltar em diversas ocasiões para falar sobre seu ciclo pictórico, em um deles ele disse:

«Sempre expressei, e eu fiz isso até recentemente: arte é dar prazer e não incomodar ou angustiar o público. Quem já viu uma triste pintura impressionista? quando você viu um Ticiano triste? um Velázquez triste? Uma ótima pintura tem uma atitude positiva em relação à vida. Sou contra a arte que se transforma em testemunha do tempo como arma de combate. Mas diante do drama vivido na Colômbia, chegou o momento em que senti a obrigação moral de deixar meu testemunho sobre o momento irracional da história do meu país. Não pretendo que essas pinturas possam consertar alguma coisa, na verdade estou convencido de que eles não vão resolver nada. Estou ciente de que a arte não muda nada, os responsáveis ​​pelas mudanças são apenas políticos. Quero apenas deixar um testemunho de artista que viveu e sentiu a sua terra natal e o seu tempo. Seria como dizer: olha a loucura em que vivemos, Vamos torcer para que isso nunca aconteça novamente. Eu não faço "arte comprometida", aquela arte que aspira transformar as coisas, Eu não acredito nesse tipo de arte" (veja WHO)

O ciclo de trabalhos sobre o mundo feminino do maestro Botero a grande quantidade de obras demonstra a atenção e interesse da artista pelas mulheres, um tema que ele próprio considera um dos principais temas da arte universal. A escolha de representar mulheres volumosas contrária ao cânone da magreza imposto às mulheres, não é tanto uma escolha de protesto contra os estereótipos que são inculcados como um modelo de beleza, mas como estilo e convicção pessoal de pintor e escultor que transforma as formas de temas volumosos em fonte de alegria. E a arte deve sempre gerar e transmitir prazer. A volumetria, segundo Fernando Botero, nasceu na pintura plana durante a Idade Média, mas foram os artistas italianos que desenvolveram o volume a partir do Renascimento. A volumetria é quase uma “espécie de milagre” que ainda permanece como está. Hoje este volume – reitera o Maestro – tornou-se parte da história e da própria percepção da arte. Mas foi como um “relâmpago” que ainda pode ser visto e cujo som ainda pode ser ouvido; milagre do qual, ainda, ficamos maravilhados. Entre as obras mais significativas destes temas encontram-se inúmeras pinturas de carácter erótico como Mulher com batom (mulher com batom) aquarela e tinta sobre papel, 2002, Banho, trabalho com lápis no papel, 2002.

Até o momento não há um número total de obras do artista, nem mesmo um catálogo fundamentado e atualizado - considerando também as muitas doações de obras que o Maestro tem feito nos últimos anos, incluindo muitas obras e a maioria das suas esculturas mais representativas -, ciclos como o da violência ainda existem, mas também uma série de pinturas da sua juventude - é preciso considerar que o artista pintou quase todos os dias desde os 14 anos até o elogio de seu 90 anos; obras que são propriedade privada da família e não foram catalogadas. Do mesmo jeito, o que falta é um levantamento detalhado do mundo da arte “boterista”; de acordo com a estimativa aproximada, poderia exceder mais 2000 trabalha entre telas, esboços, caricaturas e ilustrações para jornais.

Entre suas exposições na Itália deve ser considerado: Roma, Palácio Veneza, 2005, onde apresentou ao público o seu ciclo pictórico com cinquenta telas que testemunhavam os gritos de protesto repletos de força perturbadora contra a injustiça cometida contra os presos da prisão de Abu Ghraib, no Iraque. Obras onde é preciso observar o cuidado no uso da perspectiva que muda de acordo com o posicionamento das grades da prisão: o espectador é projetado tanto fora como dentro das celas. Tudo isto aumenta o sentimento de identificação nas vítimas, quase como se houvesse uma inversão de posição entre quem observa e quem sofre, funcional para sentir o sofrimento dos outros. As imagens parecem mais comprometedoras, profundamente perturbador e perturbador, tanto quanto os crimes cometidos. A urgência artística de expressar a raiva e a indignação sentidas, fez com que o artista colombiano se dedicasse ao projeto durante mais de um ano e que no final, de acordo com o que ele mesmo disse, isso o levou a uma sensação de vazio onde ele não tinha mais nada a dizer. Seguindo Palermo, Palácio dos Normandos, 2015, considerado o evento artístico do ano na cidade, e em que o próprio maestro Botero declarou que para a criação de Judas se inspirou em um mafioso como consta neste belo depoimento de seu:

«Fiquei fascinado pela arte italiana e pela importância que ela dá às formas e ao volume. Fui seduzido pela sensualidade da pintura italiana, pela sua redondeza. Agora as formas mais finas são preferidas, mulheres magras, mas no início do século preferiam-se os mais redondos. Uma sensibilidade que muda" (veja WHO).

Dentro 2016 fez uma exposição itinerante com as paradas mais significativas em Palermo e Roma intituladas: Via Sacra. A paixão de Cristo em que abordou um dos temas mais abordados na pintura sacra ocidental desde o Renascimento até aos dias de hoje: a paixão e morte de Jesus Cristo. Ciclo de cores e formas suntuosas através de temas arredondados e frios. Tema sagrado recorrente mesmo que o professor não seja considerado uma pessoa religiosa, no entanto, reconheceu como o tema religioso tinha em si uma bela e longa tradição artística. O Via Sacra, peça central da exposição, é a releitura do artista em que mistura tradições e realidades latino-americanas com a temática bíblica, demonstrando a importância do drama dos últimos dias de Jesus que marcou para sempre toda a humanidade. Nestes óleos Jesus parece muito humano, sem halos, intérprete do sofrimento do mundo. A pesquisa do mestrado é feita na combinação da verdade histórica misturada com algumas verdades, como por exemplo o uso de personagens contemporâneos ligados à imagem de Cristo que testemunham com o estilo próprio de Botero que ele é um crente, mas não um praticante, profundamente respeitoso da esfera do sagrado sem cair na sátira. O estudo aprofundado do Mestrado sobre o tema dramático - tema estudado como tema predileto da arte até o século XVI - que no século XX poderia ter e oferecer uma nova visão de acordo com a sensibilidade contemporânea (veja WHO).

Dentro 2017, no Palazzo Forti em Verona, a exposição monográfica foi realizada para homenagear cinquenta anos de carreira com 50 obras-primas que resumiam a dimensão onírica, fantástico e conto de fadas com eco de nostalgia entre animais, homens; reconstituição de seu continente natal, a América Latina. Seguiu-se uma exposição em Bolonha, no Palazzo Pallavicini, no outono de 2019, com 50 obras que incluem desenhos em mídia mista e aquarelas coloridas com o tema touradas e circo (veja WHO)

Ficará na memória e na história da arte A exibição Barqueiro para Parma com 47 moldes de gesso, bronzes e diversas pinturas no Palácio do Governador em 2013. Durante, a festa de abertura que o Mestre declarou:

«A arte deve dar prazer ao público, não cause sofrimento ou perturbe. Esculturas e pinturas devem falar claramente “não deve haver barreiras à compreensão” (veja WHO)

São inúmeras as esculturas do mestre Fernando Botero em todo o mundo, mas pelo amor que os Padres de A Ilha de Patmos têm para com os gatos ― fiéis companheiros de muito trabalho e longas jornadas de trabalho na criação de seus textos ― devemos mencionar o O gato de Botero, escultura de 7 metros de largura por 2 metros de altura e 2 grosso com cauda longa e focinho cômico, agora um símbolo distintivo do bairro Raval de Barcelona. Gato mamute que entre o 1987, ano em que o município de Barcelona o adquiriu, e a 2003, mudou de local na cidade mais de quatro vezes - quase como se representasse os gatos que irão circular e se mover continuamente até encontrarem o lugar perfeito para ficar, como o nosso gato Bruno que subiu na mesa do meu computador enquanto eu escrevia estas linhas sobre o gato do Botero, virando com força na minha frente, às vezes impedindo a visualização da tela ou outras vezes sentado no teclado como mestre do espaço. De fato, como aconteceu com O gato de Botero, ele tem que experimentar diferentes assentos e posições corporais antes de escolher aquele que ele acha que será o lugar mais confortável, solene e mais visível (veja WHO).

Vittorio Sgarbi em entrevista concedida no dia da morte do Maestro, sobre a figura de Fernando Botero o definiu como um artista da vida. Um pintor que em cada uma de suas obras representa o cenário de uma comédia onde tanto o contexto da obra quanto o próprio tema da tela dão vida a uma canção em seu cotidiano. Esta alegria e alegria de Botero foram, em certo sentido, revolucionárias contra o fio condutor da arte do século XX., especialmente aquele gerado pelas vanguardas que expressaram com certeza e maestria a crise, a tragédia e o drama do homem e da civilização depois de duas guerras, com a psicanálise e a luta social pelas liberdades e direitos dos sexos. Por um lado, é muito fácil pintar a tragédia, especialmente quando você vivencia situações de angústia contínua, embora seja muito mais difícil contar histórias, contos de fadas e magia com as cores da vida; Isto também dá origem à escolha de modelos gordos ou volumosos. A gordura evoca e representa a felicidade enquanto a magreza representa a tristeza, o drama e a dor. Fernando Botero é um artista que se mantém fiel à tradição no uso da técnica, das cores e também da escolha do tema como celebrar e realçar as cores da sua mágica-fantástica região natalina.

A respeito das palavras expressadas por Fernando Botero em Parma No 2013, Vittorio Sgarbi reiterou que estas foram as razões pelas quais sua arte se tornou universal, a sua simplicidade permitiu-lhe atingir e acolher qualquer tipo de público e atravessar qualquer período histórico ou forma de crítica artística. A universalidade do mestre Fernando Botero não apenas transcendeu as fronteiras de ambientes especificamente artísticos ou acadêmicos, mas também sociais. O próprio artista teve consciência dessa universalidade demonstrada com suas palavras em uma de suas entrevistas, ao contar a anedota de uma viagem à Amazônia colombiana, estando localizado na região de Puerto Nariño, dentro de uma casa pequena e pobre encontrou a reprodução de uma de suas obras, essa coisa o deixa extasiado.

Com Fernando Botero ele morre um dos últimos grandes nomes da história da pintura do século XX.

 

a Ilha de Patmos, 27 setembro 2023

 

NOTA

[1] A última doação conhecida é mais do que isso 700 obras para os museus e praças que embelezam a Colômbia. Ao longo de sua vida Fernando Botero patrocinou bolsas destinadas a talentos que pudessem continuar seus estudos tanto na Colômbia como no exterior nas áreas da música, as artes plásticas, cartas e literatura. Ana Maria Escallon, autor do livro Botero: novos trabalhos em tela e que participou no apoio a uma das maiores doações que passou a fazer parte do património nacional, explica esta doação como um ato total de caridade do artista, que não quis ficar com nada e por isso doou tudo o que tinha com o objetivo de dar à Colômbia uma visão internacional da arte (veja WHO).

[2] O seu vínculo com a Itália, que tanto amava que a considerava a sua segunda casa, e como escrevi acima, um local adequado para compartilhar momentos repletos de encontros íntimos e afetuosos com seus filhos e netos foi alcançado com a doação da obra ao Município de Pietrasanta O guerreiro, nu de bronze de mais de quatro metros localizado na Piazza Matteotti de 1992 (veja WHO).

[3] «Sou alguém que protesta contra a pintura moderna, mas em qualquer caso eu uso o que está escondido ou por trás disso: o jogo irônico e o que ele significa agora são reconhecidos por todos. Eu pinto figurativo e realista, mas com um sentido estrito de fidelidade à natureza; Eu nunca darei uma pincelada que não seja uma descrição de algo real: uma boca, das colinas, uma árvore. Mas o que descrevo é a realidade encontrada por mim. Poderia ser formulado desta forma: Faço uma descrição realista de uma realidade irreal” (veja WHO).

[4] A argentina Maria Traba (1930-1983) Escritor, crítica de arte e importante figura da vanguarda dos anos setenta, foi uma estudiosa decisiva no reconhecimento e credibilidade dos artistas colombianos e sul-americanos do século passado. O trabalho teórico realizado sobre a obra de Fernando Botero foi o primeiro exame crítico artístico que apoiou a obra do artista para servir de cartão de visita para se apresentar em exposições nacionais e internacionais. O intelectual descreveu a arte de Fernando Botero como um “Renascimento da pedra” por sua concepção do bloco de formas: «empurraram Botero para monstros que representavam um desafio à beleza e à lógica, conseqüentemente, a opinião do público que exige essas duas virtudes "teológicas" da arte (lógica e beleza) por mais insignificantes que os números possam ser em certos casos (são necessários ao público) dar aprovação a um artista e sua arte, mas a arte que desafia se é verdade pode atingir o horror, mas nunca passará despercebida. Ninguém pode deixar de reconhecer o escândalo causado pelas enormes figuras, bem como a perplexidade suscitada pelas ações incongruentes que as figuras monstruosas realizaram rodeadas de um gigantismo inocente numa imobilidade suspeita ou de um dinamismo congregacional que levou a arte de Botero a impor-se no ambiente cultural » (veja WHO) [tradução livre do autor deste artigo com a opinião crítica atualizada dos críticos de arte que em 1961 ele formulou esse julgamento apenas sobre as obras pictóricas do artista, ignorando todos os trabalhos escultóricos subsequentes que ainda não haviam sido realizados pelo mestre]

[5] Em diversas ocasiões, quando perguntaram ao Maestro o motivo do altíssimo preço de suas obras, ele mesmo explicou que sempre quis fazer algo local e específico, mas com honestidade e isso, não só gerou empatia do público em geral, mas também de colecionadores ou amantes da arte que no final pagaram generosamente, acima de tudo, pela sua honestidade.

[6] Para a antropóloga Maria Fernanda Escallón, a arte plástica de Fernando Botero começou a ser realizada a partir 1975 quando fixou residência em Pietrasanta onde fez a transição da pintura para a escultura. Como se todo o universo de figuras monumentais desenvolvidas nas pinturas encontrasse eco na tridimensionalidade estatuária alimentada pela riqueza imaginária proveniente da pintura que deu as ideias, soluções e possibilidades. A escultura de Fernando Botero desmonta a estrutura pictórica para sintetizar a forma na unidade da escultura (veja WHO)

[7] Os trabalhos do Mestrado podem ser agrupados nestes grupos: religioso com Madonnas, demônios sagrados, eclesiásticos, freiras e freiras; a dos grandes mestres em que revisita as principais obras de Jan Van Eyck, Masaccio, Paulo Uccello, Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Lucas Cranach, Albrecht Durer, Caravaggio, O Grego, Velázquez, etc.; o de vidas mortas e vivas com animais e especialmente as esculturas volumosas das últimas décadas; o do erótico com nus e práticas sexuais, especialmente cenas de bordéis; o dos políticos, prima donnas e soldados; e finalmente aquelas feitas por pessoas em geral ou imaginadas como familiares, autorretratos, vendedores e colecionadores de arte, toreri.

.

______________________

Queridos leitores,
esta revista exige custos de gestão que sempre enfrentamos apenas com suas ofertas gratuitas. Aqueles que desejam apoiar nosso trabalho apostólico podem nos enviar sua contribuição pela maneira conveniente e segura PayPal clicando abaixo:

Ou se preferir, você pode usar o nosso
conta bancária em nome do:
Edições A ilha de Patmos

Agência n. 59 De Roma
IBAN:
IT74R0503403259000000301118
Para transferências bancárias internacionais:
Código SWIFT:
BAPPIT21D21

Se você fizer uma transferência bancária, envie um e-mail para a redação, o banco não fornece seu e-mail e não poderemos enviar uma mensagem de agradecimento:
isoladipatmos@gmail.com

Agradecemos o apoio que deseja oferecer ao nosso serviço apostólico.

Os Padres da Ilha de Patmos

.

.

.